Das Gesicht ist das Symbol für den Menschen, das was ihn ausmacht. Die Frage der Identität und die ihrer “Ablesbarkeit” wird zur zentralen Frage. Man überschreitet eine Grenze, die Intimität der Gesichtslandschaft wird offenbar. Nicht die äußere Form oder Schönheit ist wichtig, sondern der charakteristische Ausdruck des Menschen. Dadurch wird das Bild einerseits zu einer Form der Dokumentation, andererseits beinhaltet es ein Element des Voyeurismus, die Möglichkeit einer ungeschützten Distanzlosigkeit.

Atelierfoto: Margit Schuler vor EGO VI und II

Bei den „Egos“ aus der Serie „Small Front Heroes“, ist es die Spiegelung und Brechung der ökonomischen und sozialen Krise in den einzelnen Charakteren, der Umbruch, die Darstellung der verschiedenen Haltungen und Einstellungen, die damit verbunden waren und sind.

In der Serie „einfach Leben“ dagegen ist der Ansatz ein anderer. Wie ein Biograf menschlichen Verhaltens oder Seins fangen die Bilder eine typische Grundhaltung, eine Befindlichkeit, eine Grundemotion in einem Individuum, die durch die Farbgebung und das Arrangement – wie in einem „Still“ – einem Standfoto – festgehalten bzw. überhöht werden. Die Figuren, in einem unkonkreten Raumbezug, sind alltäglichen Eindrücken und Haltungen nachempfunden, die so, oder ähnlich, einen Wiedererkennungswert haben. Die Idee ist es, den Betrachter zu verführen, ihn einzuladen, den Raum, die Zeit, die Atmosphäre, die Geschichte zwischen den isolierten Figuren in einem spekulativen Kontext zu fühlen und zu füllen.

Quelle: Pressetext des Kunstvereins Erlangen

WANN: Mittwoch, den 29.5.2013 um 19 Uhr
WO: Neue Galerie des KVE, Hauptstr. 72 in 91054 Erlangen

]]> http://www.gallerytalk.net/2013/05/einfach-leben-im-kunstverein-erlangen.html/feed 0 http://www.gallerytalk.net/2013/05/mythos-im-park-olympiapark-von-andreas-chwatal-in-der-galerie-andreas-grimm.html http://www.gallerytalk.net/2013/05/mythos-im-park-olympiapark-von-andreas-chwatal-in-der-galerie-andreas-grimm.html#comments Thu, 23 May 2013 07:59:45 +0000 Gastautor http://www.gallerytalk.net/?p=10463 Weiterlesen →]]> von Peter Tarras

Ein Park, das ist nicht ursprüngliche, sondern kultivierte Natur – als Natur verkleidete Kultur. Andreas Chwatal ist Porträtist dieser Travestie, erzählt vom Flirt mit der Schöpfung. Zum kritischen Statement aber lässt sich der Ironiker nicht hinreißen.

Straßenlärm dringt durch die Pforten der Galerie Andreas Grimm und begleitet die Besucher bei der Eröffnung von “Olympiapark”, der ersten Einzelausstellung Andreas Chwatals. Der urbanen Geräuschkulisse ist im Inneren eine andere Kulisse kontrapunktisch entgegen gesetzt: bis zu sechs Meter lange und oft über zwei Meter breite Abdeckplanen hängen an den weiß getünchten Wänden der Galerie, in Grün, Rot, Grau. Schnell stellt sich das Gefühl ein, dass hier irgendeine Art von Theater gespielt, irgendetwas in Szene gesetzt wird. Die großflächigen Abdeckplanen aber scheinen das Inszenieren als solches zum Thema zu haben. Eine davon fällt gleich über dem Eingang wie ein Vorhang von der Decke, stellt sich in den Weg. Auf dem grünen Hintergrund hat der Zeichner Wurzelwerk, ineinander geschlungene Äste entstehen lassen. Ein Knick in der Plane lässt die im Geäst sitzende Figur verschwinden, versteckt sie.

von vorne nach hinten: Andreas Chwatal, Indie 2013, Acryl auf Plane, 600 x 147 cm ; Andreas Chwtal, Olympia 2013, Acryl auf Leinwand, 300 x 187; Andreas Chwatal, A bolt from the blue 2013, Acryl auf Plane, 300 x 187 cm; © Galerie Andreas Grimm.

Bereits mit diesem Werk am Eingang, das den Titel „Indi“ trägt, wird der Betrachter angeflunkert. Wie schon in früheren Arbeiten versucht Chwatal die Grenzen der Zeichnung auszuweiten, versucht ihr nun mit monumentalen Planen Ausdehnung zu geben. Damit drängt er aus der Fläche, dringt in den Raum vor. Für das Sehen ist Räumlichkeit gleichbedeutend mit Wirklichkeit. Im eroberten Wirklichkeitsraum aber platziert Chwatal gerade das Unwirkliche. Allein schon die Ornamentalität des Baumes im Werk „Indi“ lässt an Bühnenbilder denken. Die im Raum aufgehängte Plane scheint den Besucher auch dazu aufzufordern, hinter sie zu treten, zu bedenken, dass sie nicht nur Bild, sondern auch Bildträger ist. Das Dargestellte ist nicht unabhängig, wie der Titel „Indi“ vorgibt, sondern macht in der Präsentation gerade auf seine Abhängigkeit aufmerksam.

Andreas Chwatal, Robin Hood 2013, Blätter auf Holz, 150 x 125 cm, © Galerie Andreas Grimm.

An das mit „Indi“ inszenierte Versteckspiel knüpft auch die Arbeit „Robin Hood“ an. Eine Holzplatte, aus der drei Zacken gefräst sind, lehnt lässig an der Wand, während das aufgeklebte grüne Blattwerk sich zu ihren Füßen verteilt. Robin Hood, der die Reichen beklaut, um den Armen zu geben, nutzt die Natur, den Wald als Versteck, ist auch ein in dieser unfigürlichen Arbeit Versteckter. Die einfache Ausführung erinnert an Kinderspiele, an Verkleiden und Verstecken und damit zugleich an Schauspiel und Flunkerei.

Nicht nur das Theatralische verweist auf Unwirkliches: ausdrücklich spielen zwei Arbeiten auf den griechischen Mythos an. In „Olympia“ ringt ein trainierter Mann in Unterhosen mit einem Panther. Auch der antike Halbgott Herkules kämpft im Mythos mit Raubtieren. Zudem erinnert der Titel an die Olympischen Spiele, die sich in diesem Jahr von einer ihrer ältesten Sportarten trennten: dem Ringen. Der Wettkampf in „Olympia“ aber ist mehr als Kampf, er ist auch ein Tanz, dem vor allem die Schwere der martialischen Sportart fehlt. Ob dabei der Ringer die Kreatur oder die Kreatur den Ringer führt, bleibt offen. Nie fehlt allerdings die Ironie: die Inszenierung des Körpers erinnert an Unterwäsche-Werbung. Dass der Halbnackte auf dem Schwanz des Tieres steht, ist nicht allzu schwer zu deutende Symbolik: hier ringt einer mit seinen Trieben, auf eine Weise aber, dass es nicht um Sieg oder Niederlage dabei geht, sondern letztlich nur die Eleganz des Ringens zählt.

Andreas Chwatal, The bigger the feed the higher the speed 2013, Turnschuhe und Tusche auf Wand, 75 x 35 x 20 cm, © Galerie Andreas Grimm.

Ähnliches spielt sich im Werk „Ödipus und die Sphinx“ ab. Wieder ein Muskelmann, diesmal mit Rugbyhelm, blickt auf ein Kätzchen herab, das mit einer Tatze seinen Waschbrettbauch befühlt. Irritierend ist vor allem der Blick der Katze. Sie scheint den Helmträger betören zu wollen, ihn anzuflirten. In dieser Szene löst Chwatal die Gefährlichkeit des Kampfes, die Gegensätzlichkeit von Mensch und Tier in augenzwinkernde Erotik auf. Dass der Ironiker Chwatal nicht minder Erotiker ist, zeigt auch die Arbeit „A Bolt From the Blue“. Im Vordergrund liegen zwei Männer mit geöffneten Mündern aufeinander und scheinen vom Kampf in das Liebesspiel überzuwechseln. Im Hintergrund sind in Brand gesteckte Fahrzeuge zu sehen. Gefahr strahlen dabei Gruppen von dunklen, unkenntlichen Figuren aus, die zugleich aber wieder Assoziationen an die Antike wecken. Dionysisch wird da um Flammen getanzt, dem Gott des Rausches gehuldigt. Aber auch Theater wurden in der Antike zu Ehren des Dionysos aufgeführt, womit der Betrachter wieder zurückgeholt, daran erinnert wird, dass alles nur Staffage ist.

Andreas Chwatal, Installationsansicht "Olympiapark", Zeichnungen: Tusche auf Papier und 29,5 x 21 cm bis 33 x 23 cm, © Galerie Andreas Grimm.

Die Schriftarbeit „No Wall Is Straight“ ist wie ein Kommentar zu „Olympiapark“ zu lesen. Aus simplen Wahrheiten macht Chwatal hier Witze: der Titel des Werkes ist als blauer Schriftzug mit Filzstift auf einen Spiegel gemalt, über dessen Rand hinaus er sich auf die Galeriewand ausdehnt. Das Werk deutet auf sich selbst, verlässt also die Ordnung der geraden Linie. Es deutet aber auch auf die Planen, die als Kulissen keine geraden Wände sind, die als Kulisse vor allem nicht ehrlich (straight) sind, sondern Wirklichkeit nur vorgeben. Zuletzt deutet es auf die Homoerotik mancher Sujets. Mit „Olympiapark“ führt Andreas Chwatal seine Idee von „Park“ weiter, die er bereits im vergangenen Jahr im Münchner Prince of Wales vorstellte. Park bedeutet für Chwatal die Suggestion von Ursprünglichkeit und Natürlichkeit, mit der immer auch eine Imitation einhergeht, auf die Chwatal aufmerksam machen will. Nach kritischen Statements, etwa zum Umgang mit der Natur, sucht man in seinen Werken vergeblich. Genauso wie er mit den Planen oder in früheren Werken durch Diaprojektion die Grenzen der Zeichnung aufzeigt und aufhebt, macht er auch auf die Grenzen des Ernstes aufmerksam, hebt seine Schwere auf. Das zeigt sich in „A Bolt From the Blue“, wenn die brennenden Fahrzeuge im Werk des Oberpfälzers an die immer noch anhaltende Autobrand-Serie in seiner Heimatregion anklingen. Gleichermaßen erfährt der ganze Ernst sportlichen Wettkampfes durch die Ironisierung und Erotisierung eine wohltuende Aufhebung. Wie verkopft die Werke Chwatals im Grunde sind, ist nicht nur an der konzeptuellen Ausrichtung von „No Wall Is Straight“ zu erkennen. Chwatal führt dem Betrachter auch vor Augen, dass der Sport nichts anderes als ein Als-Ob ist, nichts anderes als die ritualisierten Kommentkämpfe brünstiger Tiere. Die Zähmung der Natur gelingt vielleicht im Mythos, die Wirklichkeit sieht anders aus: verkleidet eben.

Andreas Chwatal, Jahrgang 1982, machte 2013 sein Diplom bei Markus Oehlen an der Akademie der bildenden Künste in München. Seit 2008 stellt er regelmäßig , u. a. im Weltraum München, bei der Regensburger Kurzfilmwoche oder bei „Let’s party for a piece of art“ in der Pinakothek der Moderne. Die Ausstellung „Olympiapark“ in der Galerie Andreas Grimm zeigt großformatige Zeichnungen auf Plane und neue Tuschearbeiten auf Papier.

Wo: Galerie Andreas Grimm München, Türkenstraße 11, 80333 München

Wann: 17. Mai bis 25. Juni.

Rauminstallation "Tightrop" aus der gleichnamigen Ausstellung, Copyright Galerie Klüser 2

Der österreichische Künstler Clemens Hollerer bedient sich in seinen Arbeiten vor allen Dingen der künstlerischen Mittel der Fotografie, Collage und Installation. Nachdem er sich zunächst intensiv mit der Fotografie städtischer Strukturen auseinandersetzte, bemerkte er bald das Bedürfnis, “fotografierte Strukturen fühlen und bauen” zu können, wodurch sich die jeweils anderen Ausdrucksformen entwickeln konnten. Hollerer fotografiert hierbei zuerst bestimmte Aspekte urbaner Räume oder Baukonstruktionen wie z.B. Absperrungen, durch den Bau verursachte Umwege oder Ähnliches, um sie später in seine raumgreifenden Installationen oder komplexen Collagen umzuformatieren. (Informationen: Galerie Klüser 2)

WANN: Donnerstag | 23. Mai 2013 | 18 Uhr (in Anwesenheit des Künstlers)

WO: Galerie Klüser 2 | Türkenstrasse 23, 80799 München

Ausstellungsdauer: 23. Mai – 20. Juli 2013

Neue Künstler, bewährtes Konzept: Die dritte Ausstellung der Millerntor Gallery im Stadion des FC St. Pauli in Hamburg empfängt Kulturinteressierte und Spendenwillige vom 23. bis zum 25. Mai 2013 mit einer bunten Mischung aus Kunst und Musik. 

Ausstellungsansicht Millerntor Gallery

Eine Mischung aus deutschen und internationalen, noch unbekannten und bereits renommierten Künstlern hat der Millerntor Gallery Werke gestiftet, um mit den Erlösen die Wasser- und Bildungsprojekte von Viva con Agua de Sankt Pauli e.V. zu unterstützen. Unter der künstlerischen Leitung des Hamburger Galeristen Jörg Heikhaus (heliumcowboy artspace) ist ein spannendes Konzept aus Street-Art, Malerei, Fotografie und Installationen entstanden. Gezeigt werden unter anderem Arbeiten von Henning Kles, Till Gerhard, Jon Burgerman und BOXI. Mit Zezão und SPETO kommen im Deutsch-Brasilianischen Jahr 2013 gleich zwei der führenden Graffiti- Künstler Brasiliens in die Hansestadt Hamburg.

Kunst für die Ohren liefern bekannte Unterstützer der Millerntor Gallery: So haben sich bereits Irie Révoltés Soundsystem, Le Fly, The Thiams, Nico Suave und das Beginner-Mitglied DJ MAD angekündigt – weitere akustische Delikatessen folgen.

Unterstützt wird das einzigartige soziale Kulturprojekt durch die Thomas J. C. Angelika Matzen Stiftung, die Deutsche Fernsehlotterie und guenstiger.de. Sämtliche Erlöse fließen in die Wasser- und Bildungsprojekte von Viva con Agua de Sankt Pauli e.V.

WANN: Vernissage, Do., 23. Mai 2013, ab 18 Uhr; Öffnungszeiten, Fr., 24. Mai 2013, 18 bis 24 Uhr, Sa., 25. Mai 2013, 12 bis 24 Uhr

WO: Millerntor-Stadion auf St. Pauli (Haupttribüne und Südkurve) Heiligengeistfeld 1

Quelle: Millerntor Gallery

Mehr Künstler, weniger Platz, steigende Mieten. Das kreative Klima der Stadt befindet sich in permanentem Wandel. Vor etwa einem Jahr zeigten die Kuratoren Sven Drühl und Christoph Tannert bereits einen Querschnitt des jungen künstlerischen Schaffens in Berlin, eine Momentaufnahme. Am Donnerstag, den 23. Mai, eröffnet im Künstlerhaus Bethanien nun die Fortsetzung: “Berlin.Status (2)”. Man kann davon ausgehen, dass sich die Lage im letzten Jahr noch etwas verschärft hat. Das hat laut Drühl und Tannert zur Hervorbringung “einer künstlerischen Stadtguerilla” geführt, “die sich mal aufgeregt, mal betulich und kompromissbereit gibt, die sich entweder mit unterschwelliger Aggressivität gegen die Politik auflehnt oder die Welt, die nicht in Ordnung ist, in eben dieser Unordnung ästhetisch thematisiert”. Unter den insgesamt 50 beteiligten Künstlern, alle Jahrgang 1978-1984, befinden sich u.a. Julius von Bismarck, Clemens Krauss, Sophia Pompéry, Robert Seidel und Despina Stokou.

Julius von Bismarck, Punishment #3, 2011, Inkjet Print, 50 × 75 cm, Courtesy of Alexander Levy

Ein Porträt von Simone de Beauvoir, als Schwarzweißfotografie in einem Medaillon auf einem Dekoltee, das durch die es kontrastierende Häckeljacke nur noch aufreizender wirkt, das alles in Öl auf Leinwand. Zu sehen gibt es diese Akkumulation an Symbolen der Weiblichkeit und deren Dekonstruktion durch den Feminismus in der Einzelausstellung “Drop the thought” von Sabine Dehnel in der LSD Galerie. Dehnel spannt mittels einer Rauminstallation aus alten Häckeldecken, der just beschriebenen Malerei und einer Fotografie ein Feld auf, in dem über, ja, Weiblichkeit und Feminismus, aber auch über das Verhältnis von Subjekt und Gesellschaft, über Erinnerung und Wahrnehmung reflektiert werden kann. „Drop the thought“ eröffnet am Freitag, den 24. Mai.

Sabine Dehnel: Mona XII, (Diane Arbus) 2013, C-Print, 80 x 105 cm, courtesy of LSD Gallery

Am Samstag, de 25. Mai, legen wir Euch gleich zwei Veranstaltungen ans Herz, die man auf keinen Fall verpassen sollte. In den KW – Institute for Contemporary Art eröffnet an diesem Abend die Einzelausstellung “Reparatur. 5 Akte” von Kader Attia. Dieses Schmuckstück sei hier nur kurz erwähnt, um es sich schon einmal fett in den Terminkalender zu kritzeln. Am Freitag gibt es dann mehr Details hierzu auf gallerytalk.net.

Nach einem Besuch in der Auguststraße sollte man dann gleich weiter zum Hamburger Bahnhof flitzen. Dort werden nämlich die Tore geöffnet, um eine Neupräsentation der Sammlung vorzustellen. Unter dem Titel “Body Pressure” wird der Werdegang der Gattung Skulptur und ihres Sujets ,des menschlichen Körpers, seit den 60er Jahren nachgezeichnet. Die mediale Öffnung und die Erweiterung des Materialiendepos führten zu einer widersprüchlichen und ästhetisch brüchigen Inszenierung des Körpers. Unterlegt wird diese These unter anderem durch Arbeiten von Bruce Nauman, Hans-Peter Feldmann, Paul McCarthy und Franz Erhard Walther.

Neues Museum, Außenansicht Foto: Margherita Spiluttini 1999

Der aus dem Burgenland stammende Künstler Emil Siemeister (*1954 Deutsch Kaltenbrunn, Österreich) hat sich intensiv mit der Lehre der sogenannten Kymatik beschäftigt. Der Begriff ist abgeleitet vom griechischen »kyma« (Welle) und wurde geprägt vom Schweizer Naturwissenschaftler, Mediziner und Maler Hans Jenny (1904–1972), der Schwingungsmuster und Wellenphänomene als Ausdruck der Schwingungsnatur der Welt interpretierte.

Emil Siemeister zeichnete für seine Zeichnungsfolge zur »Kymatik« mit Kugelschreiber, Filzstift und Lack beidseitig auf Kunststofffolie, wie sie in der Landwirtschaft zum Einpacken von Heu Verwendung findet. Er versteht das durch den Druck der Zeicheninstrumente entstandene Relief, das »Ein- und Ausdrücken in der Fläche« als »Äquivalent zur Kymatik« und unterscheidet die »unkalkulierbaren Formen« der Nachtseite von den »freien Positionen« auf der Tagseite: »Die Zusammenkunft beider Abläufe erzeugte ein bewegendes Bildwesen, das den Ausgangspunkt des Gedankens verlässt und somit autonom pulsiert, in Resonanzlagen. Das Angehaltene ist verpflichtet, Aggregat zu sein!«

Quelle: URL: http://www.nmn.de/programm.0.html?&pruid=5556&cHash=4da3e766d7

WANN: Donnerstag, den 23.5.2013 um 18 Uhr
WO: Neues Museum, Klarissenplatz in 90402 Nürnberg

Flyer "No Country for odd poets", copyright Kunstverein München.

“Kevin Vennemann ist ein deutscher Autor und der bislang jüngste Gast der Reihe No Country for Odd Poets. Sein erster Roman Nahe Jedenew, 2005 im Suhrkamp Verlag erschienen, wurde von der Kritik hoch gelobt. In seinem aktuellsten Werk Sunset Boulevard: Vom Filmen, Bauen und Sterben in Los Angeles (2013) taucht auch Chris Kraus, der letzte Gast dieses Programms, als eine prominente Figur auf. Weitere Arbeiten sind Mara Kogoj (2007) sowie die Übersetzung Bluescreen des amerikanischen Essayisten Mark Greif.” (Quelle Kunstverein München)

WANN: Dienstag, 21. Mai 2013 | 20 Uhr

WO: Kunstverein München | Galeriestrasse 4, 80539 München

Quietschbunte Kuckucksuhren an den Wänden, kunstvolle Holzschnitzereien in Neonfarben, die sich beim zweiten Hingucken als grimmige Totenköpfe entpuppen. Granaten zieren die Ziffernblätter. Daneben Jesus – am Kreuz hängend, doch von Besinnung keine Spur, denn das Kunstwerk reißt durch einen leuchtend orangen Lichtrahmen die Blicke an sich. Im zweiten Raum dann eine Collage: ein nackter Frauenkörper, ein zerteiltes Schwein, rohes Fleisch, ein Bollenhut – und inmitten des Chaos findet man plötzlich sein eigenes Gesicht gespiegelt wieder. Dann fällt das Stückchen Schwarzwälder Kirschtorte auf, das sich in einer Ecke des Bildes zu verstecken scheint. Ebenso wie die Bambiskulptur auf dem Sockel, nur das Bambi irgendwie nicht nach Bambi aussieht.

Stefan Strumbel: Dirty Bambi, 2013, spray paint on hand craved wood sculpture, 72 x 69 x 50 cm, courtesy of Circle Culture Gallery

Wir haben uns also ziemlich sicher zu Recht gefragt: Wo zur Hölle sind wir hier gelandet?Im Wohnzimmer eines Wahnsinnigen? Doch ganz so einfach dürfen wir es uns nicht machen und die Arbeiten lassen ohnehin zu viele Fragen offen, als dass man ihnen einfach so den Rücken kehren könnte. Der Künstler, der hier seine Finger im Spiel hatte, heißt Stefan Strumbel. Inzwischen ist er so bekannt, dass er in Baden-Württemberg eine ganze Kirche gestalten durfte und eines seiner Werke in Karl Lagerfelds Sammlung übergegangen ist. Was steckt denn nun also hinter diesen geheimnisvollen Kuckucksuhren und Bambi-Nachbildungen?

Stefan Strumbel, courtesy of Circle Culture Gallery

Auf den ersten Blick lösen Strumbels Kunstwerke Assoziationen mit Andy Warhol oder moderner Streetart aus. Ist auch nicht ganz abwegig, da Strumbel selbst aus der Szene stammt. Gerade was die Farbwahl betrifft, hat er Elemente von Graffiti in seine Arbeiten übernommen. Er entfremdet Alltagsgegenstände mit Pop Art Komponenten, provoziert durch aufschäumende, hochästhetische Mischung. Verweilt man ein bisschen in diesem eigentümlich anmutenden Wohnzimmer, in das wir uns gewagt haben, fügen sich dann doch viele der Gegenstände zu einem stimmigen Bild zusammen. Es lässt Rückschlüsse auf Strumbels Heimat zu. Die Kuckucksuhren, das Reh, das Symbol des Kreuzes an der Wand, die Torte, deren Name schon verrät, woher sie stammt – allesamt Verweise auf den Schwarzwald. Nur was sollen die Totenköpfe und wie lässt sich die Düsterheit  des Dargestellten deuten?

Stefan Strumbel: Fachwerk 2, 2013, fine art photographic print, neonpaper, mirror and wood, 126 x 106 x 3 cm, courtesy of Circle Culture Gallery

Eine von Strumbels Lieblingsfragen, die immer wieder in seinen Kunstwerken auftaucht,  ist: What the fuck ist Heimat? Um es noch genauer auszudrücken: What the fuck ist Heimat, in einer auseinanderdriftenden Welt der Globalisierung und der immer stärkere werdenden Macht der Medien, einer Welt in der sich neben unseren ursprünglichen Lebensräumen Schluchten wie das Internet auftun, in die wir ja ohnehin alle schon gefallen sind? Wo bleibt unsere individuelle Herkunft, in einer Konsumgesellschaft, in der sich alles mehr und mehr um das neuste iPhone und andere Statussymbole dreht?

Betrachtet man Strumbels Entfremdung nun unter diesem Gesichtspunkt, tun sich plötzlich völlig neue Welten auf. Man fragt sich nicht mehr, in wessen Räume man hier gestolpert sind,  sondern eher, was Heimat eigentlich für uns bedeutet. Und spätestens mit dem Blick in den Spiegel inmitten des Bauches der Frau, richtet sich der Finger auch auf uns und wir müssen uns fragen: Welche Rolle spielen wir in dieser konsumgeilen Gesellschaft?

Stefan Strumbel: United Colors of Heimat, 2010, spray paint and acrylic on hand carved timber sculpture, 69 x 74 x 27 cm, courtesy of Circle Culture Gallery

Natürlich sind wir am Ende doch länger geblieben, als es ursprünglich geplant war. Taumelten wir jetzt nach verstrichener Zeit  aus den Räumen, mussten wir erstmal nach Luft schnappen: Viel Stoff zum Nachdenken, gibt uns Strumbel da, und die Fragerei ließe sich noch ewig weiterführen, die Antworten bleiben wohl jedem selbst überlassen. Daher: Nicht lange zögern und sich auf einen Abstecher in die Gipsstrasse begeben. Die Arbeiten sind nämlich nur noch bis Donnerstag, den 20. Juni, zu sehen.

Wohin begeben wir uns am besten, nach dieser Exkursion? Nachhause! Wir machen uns auf den Heimweg, sehnen uns nach den eigenen vier Wänden und auch dem, was dort auf uns wartet: Nämlich das Gefühl von Heimat und mit diesem vielleicht auch die ein oder andere Antwort auf die Fragen, die uns Bambi und die Kuckucksuhr aufgegeben haben.

WANN: Wie gesagt, bis Donnerstag, den 20. Juni, hängt das Zeug. Schaut einfach Dienstag bis Samstag zwischen 12 und 18 Uhr vorbei.

WO: Circle Culture Gallery, Gipsstraße 11, 10119 Berlin

Mit Schmucksteinen verziertes Handy, Entwurf: Moeko Ishida, Deco Loco, 2009, Sammlung Werkbundarchiv – Museum der Dinge, Berlin Foto: Armin Herrmann

Das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg zeigt in der Ausstellung “Böse Dinge“  Spuren des Kunsthistorikers Gustav E. Pazaureks und seiner Kategorien von Geschmacksverirrungen im Design und Kunsthandwerk, die er auf den Prüfstand stellt. Vor 100 Jahren eröffnete er in Stuttgart die “Abteilung der Geschmacksverirrungen“, für die er in den folgenden Jahren 900 abschreckende Negativbeispiele sammelte.

Nun sind Teile dieser zuletzt 1930 gezeigten Sammlung wieder zu sehen. Die Ausstellung nimmt Pazaureks Thematik zum Ausgangspunkt und konfrontiert die historischen Beispiele mit der zeitgenössischen Produktkultur. So sollen nicht nur aktuelle Fragen nach Gestaltung und Material, sondern auch der Einfluss der Dinge auf unser Handeln beleuchtet werden. Herstellung, Erscheinung und Gebrauch sind auch heute wieder eine moralische Angelegenheit, in der implizit die Kategorien ‚gut’ und ‚schlecht’ verhandelt werden.

Das Ausstellungsprojekt “Name That Thing“ findet parallel zu der Ausstellung “Böse Dinge” statt. Dialogisch reflektiert sie die dort vorgestellten Kategorien gestalterischer Entgleisungen, die ein Objekt zum bösen Ding machen, und überträgt diese auf die freie Kunst. „Name That Thing“ untersucht gegensätzliche Kategorien der sogenannten hohen und niederen Kunst und verweist mit Projektionen, Installationen, Objekten, Fotografien und Text auf die mediale Entgleisung  der Kunst.

WANN: Bis 15. September 2013 im MKG Hamburg

WO: Museum für Kunst und Gewerbe, Steintorplatz 20099 Hamburg

Im AUTOCENTER geht ab Samstag, den 18. Mai, die Serie “Conferences” in die zweite Runde. Überraschender Weise heißt das dann “Conference 2″. Los geht’s um 20 Uhr. Worum geht’s? Die Ausstellungsmacher begreifen ihr Werk offenbar als repräsentativ für die Art wie der Laden an sich so geschmissen wird. Dynamisch und experimentell nämlich.

Christian Jeppson, Pool Interface, 2012, dye-sublimation print on polyester, moussepad, and silicone pads, 160 x 100 cm © Christian Jeppson

Dynamisch und experimentell, das kann natürlich jeder sagen – würden sicher auch viele. So ist es eben mit Pressetexten. Oft wird Scheiße mit Floskeln verhängt, genau so oft verbirgt sich all den Plattitüden was richtig feines. Wir sind überzeugt: Bei “Conferences” ist es letzteres.

Fünf Künstler toben sich aus: Mathis Altmann, Kjersti Gjestrud, Christian Jeppsson, Michele di Menna und Eva Maria Salvador. Ihre Arbeiten werden um die Idee der ausgedehnten Ergonomie herum in einen offenen Dialog zu einander gestellt. Das hat in diesem Fall weniger etwas mit qualitativer Wirtschaftlichkeit zu tun. “Ergonomie” soll als poetischen Terminologie nach begriffen werden. Dabei geht es in der Ausstellung selbst um Themen wie Berühung und Haptik aber auch um den technischen wie medizinischen Einfluss auf den Körper. Kunst wird die Erweiterung des Körpers. Kunst wird Prothese.

Eva Maria Salvador, Untitled, 2011, Series: "Köpfe", Lambda Print, 60 x 80 cm © Eva Maria Salvador

Schon vor zwei Monaten, am Eröffnungsabend von “The Legend of the Shelves“, haben die noch relativ neuen Räumlichkeiten vom AUTOCENTER voll eingeschlagen. Wer die “Conference 1″ erlebt hat, kommt eh. Wer von euch miesen Kröten noch gar nicht vor Ort war, der nehme schon jetzt die Stiefel in die Hand. Dann seid ihr am Samstag auch pünktlich.

WANN: Am Samstag, den 18. Mai, ab 20 Uhr, eröffnet “Conference 2″. Ansonsten könnt ihr noch bis zum 1. Juni vorbei schauen – von Donnerstag bis Sonntag immer zwischen 16 und 19 Uhr.

WO: AUTOCENTER, Leipziger Strasse 56, 10117 Berlin