Elger Esser in seiner Ausstellung Méséglise im Haus Defet © Uwe Niklas

Was fotografiert Elger Esser eigentlich? Auf den ersten Blick belanglose Motive, meldet das Auge dem productplacementgeschädigten Gehirn. Auf den zweiten Blick irritieren Details die Wahrnehmung. Ein Beispiel ist ein Werk, das im Raum eine Art Tiertränke mit großem Bassin zeigt. Ein ruhiges, fast buddhistisch anmutender Anblick, Panta rhei, alles fließt. Etwas stört jedoch, eine Lampe mit Glühbirne stört die Harmonie von Stein und Wasser. Ein derangiertes, defektes Stück Technik setzt den Akzent zum Industriezeitalter, indem es verloren und traurig von der Wand absteht.

Vertieft man sich weiter in die Arbeiten bemerkt man den feinen Einsatz von Licht, das manchmal schemenhaft romanische Kirchenräume erhellt oder sich strahlend in staubigen Glasvitrinen voller präparierter Vögel bricht. Esser erreicht dadurch eine Wärme, die auch Erinnerungsfetzen besitzen.
Wer sich weiter Zeit nimmt und in die Motive eintaucht, erlebt die Eindringlichkeit der Motive: Sie lösen synästhetische Reize aus: Die sonnengewärmten Steine, die Esser immer wieder thematisiert, beginnen für den Betrachter förmlich zu riechen: nach der behüteten Ruhe ferner Kindheitstage.

Esser (*1967 in Stuttgart), kehrt mit dieser Werkreihe nach Nordfrankreich zurück, der Heimat seiner Mutter, wo er als Kind seine Ferien verbrachte. Alle Werke tragen den Titel „Combray“ zusammen mit einer Ortsbezeichnung. Illiers-Combray, ist die Ortsbezeichnung einer kleinen nordfranzösischen Gemeinde  im Département Eure-et-Loir in der Region Centre in der Nähe von Chartres. Marcel Proust idealisierte den Ort Illiers unter dem Namen „Combray“ als Ort seiner Kindheit und Heimat seines Vaters in seinem Roman „Auf der Suche nach der verlorenen Zeit“ (1908/09-1922).

Auch der Ausstellungstitel „Méséglise“ (Meine Kirchen) bezieht auch auf den Spazierweg des Erzählers, der aus Combray in die Landschaft hinausführt. Esser begibt sich nicht nur auf Spurensuche nach seiner Kindheit, er wandelt auf den Spuren von Marcel Proust und stellt sich auf diese Weise neben den Schriftsteller des Fin-de-Siècle. Seine Fotoreise erhält  überzeitlichen Charakter.

Den erreicht er nicht zuletzt über das aufwendige Verfahren der Heliogravur, ein altes Verfahren zum Abdruck von Fotografien, das längst vom Tiefdruck abgelöst wurde. Die besonderen Lichtstimmungen der Bilder leben durch die Halbtöne, die durch diese Drucktechnik erzeugt werden kann. Die Tiefenschärfe der Bilder bewahren sie vor nostalgischer Verkitschung.

Esser studierte in den 90er Jahren des letzten Jahrtausends an der Kunsthochschule in Düsseldorf bei Bernd Becher, so fern wirken seine Bilder. Aus der Becher-Schule stammen auch Andreas Gursky, Thomas Ruff, Candida Höfer und Axel Hütte – um nur einige zu nennen. Esser nahm von dort den besonderen Umgang mit Licht und seine sachliche Distanz zu den Motiven mit. Er gilt als „Romantiker unter den zeitgenössischen Fotografen“. Das Etikett allein passt hier nicht ganz, denn sein Schaffen beschränkt sich nicht darauf Motive sensibel zu wählen und gefühlvoll in Szene zu setzen. Er sucht sich keine ästhetischen oder „romantischen“ Perspektiven. Essers Fotografien sind spröde und fremd wie Kindheitserinnerungen. Die Kraft seiner Bilder erschließt sich, wenn man sich die Zeit nimmt sie kennen zu lernen. Dann berühren sie den Betrachter und bleiben im Gedächtnis haften.

WO: Institut für moderne Kunst Nürnberg im Atelier- und Galeriehaus Defet, Gustav-Adolf-Str. 33, 90439 Nürnberg
WANN: 24. Februar 2013 bis 27. April 2013

Als Palimpseste klar zu erkennen sind die Cuts, die eine kleinformatige Serie bilden. Ihre Schichten entstammen Mode- und Lifestylemagazinen, die sich zu neuen, traumartigen Szenen zusammenfügen. Sterile, blutleere Produktfotografien werden ausgeschnitten und bilden als Collage mit den darunterliegenden Lagen neue Räume, Figuren und surreale Begebenheiten.

Heidi Sill, cut #66, 2011 Collage, Offset-print 27,5 x 20,8 cm, © Galerie Sima

Die Collage „cut#66“ sticht hervor. Ein Saal mit ionischen Säulen, der sich mit vorteilhaft drapierten Frauenfiguren in exquisiter Kleidung schmückt. Die Sicht aus dem bodentiefen Fenster scheint einen Weltbrand zu verheißen, während eine diagonale Reihe ausgeschnittener Fliesen den Blick auf wasserreiche Natur darunter frei gibt.

Im Hintergrund haben zwei Blondinen in eleganter Abendgarderobe eine lebhafte Auseinandersetzung: ihre Oberarme wirken nackt und obszön im Gegensatz zur Produktperformance der Models im Vordergrund. Ihre Bestimmung, dem Konsumenten die Kleidung gefällig erscheinen zu lassen verfehlt ihr Ziel, denn ihre Körper fließen ineinander und verwischen die Grenzen der persönlichen Konturen der Einzelnen. Heidi Sill hat sie gewählt, drapiert und angezogen, ihre Kleidung besteht aus den Teilen sich überlagernder Fotorealitäten verschiedener Marken und strahlt die Fragmente von Werbesprüchen ab. Die Ausschnitte drängen dem Betrachter die Frage nach Labeln, Trendfarben und markentypischen Mustern in den Kopf. Hier dominieren in der Kollektion Heidi Sills Rot, Pink, Weiß und Schwarz, mit denen fließende Akzente gesetzt werden. Kontrastierend dazu lassen Muster in grün und braun die Trägerin mit dem Hintergrund verschmelzen. Es entsteht ein unentwirrbares Geflecht aus Körpern und Formen, hohlen Bildbearbeitungsopfern und Heidi Sills Gespür für Atmosphäre und Ironie.

Auffällig unauffällig ist im Hintergrund der noblen Fotolocation die Statue auf dem Sockel. Sie ist der Blickfang der Szene, denn sie wirkt den übrigen Bildelementen gegenüber erhaben. Die Identität des Mannes, der seinem Heimatort ein Denkmal  wert war, ist unbekannt. Und dennoch: Kontrapost und Zeigegestus verweisen auf eine Gelehrten und beleben den Marmor. In der Realität der Modewelt ist er Attribut einer malerischen Piazza, die den Hintergrund für eine Fotoshooting bildet und scheint der einzige Fixpunkt, der dem Betrachter Orientierung gibt. Die einzige Persönlichkeit unter surrealen Körpern.

Heidi Sill, AEHHIMMPS _(9F) , 2008, Porzellanpuppen, Tusche, Aquarell, 23,8 x 18,8 cm, © Galerie Sima

Nebenan hängt ein Puppenbündel namens „AEHHIMMPS _(9F)“ von der Decke. Nackte Stoffkörper mit geschundenen Porzellangesichtern bilden ein Knäul kleiner weißer Gliedmaßen. Ihre Gesichter, deren Augenhöhlen oft leer und deren Haare roh geschnitten wurde, sind bemalt. Rote und schwarze Muster ziehen Linien auf den toten Zügen. Kindlicher Verzierungswut und wilde Tätowierungen mischen sich auf den Puppengesichtern zu verstörenden Linien, von denen einige als Muster, andere als Verletzungen erkannt werden können.

Heidi Sill, modell #4 , 2012, Archival Injekt Print auf Fotopapier, 211,8 x 162 cm, © Galerie Sima

In bester Nachbarschaft befindet sich das „model#47“. Auf über drei Quadratmetern schläft eine nackte junge Frau auf weißem Satin, ihr ganzer Körper ist rot besudelt. Ein Auftragsmord? Eher eine aufwendiger Fotoarbeit, mit der Heidi Sill den Betrachter aus der Reserve locken will. Das Motiv wurde aus einem Magazin abfotografiert und mit Nagellack behandelt. Kitschig und schon gefühlte hundert Mal gesehen auf den Werbebildern eines großen schwedischen Modelabels schläft die passive pastellfarbene Schönheit dem farblosen Kältetod entgegen. Die knallige Farbattacke bedeckt die wenig sublime Sexualität, die in dem Plakat steckt und haucht dem Werk durch den roten Angriff Leben ein.

Heidi Sill, Carolee, 2012, Tusche auf Papier 100 x 70 cm, © Galerie Sima

Sill hat sich in der Vergangenheit mit beschädigten Gesichtern beschäftigt. In „Evelyn“ und „Carolee“ wirken ihre zeichnerischen Betrachtungen zur menschlichen Mimik fort. Zarte Tuschelinien formen Muskulatur, Mimik, Haare und Haut, die sich zu einem Gesicht zusammensetzen. Doch während „Evelyn“ mit floralem Blumenschmuck wie eine antike Göttin wirkt, wachsen ihrer Antipodin „Carolee“ Hörner aus der Stirn.

Heidi Sills „My Palimpsest“ speist sich aus der Alltagswelt, die sie verarbeitet, umformt, verfremdet und kulturkritisch aufbereitet. Der Begriff Palimpsest bezieht sich ursprünglich auf Schriftrollen, deren Zeichen ausgelöscht und überschrieben werden. Durch die Schichten, die dadurch entstehen, scheinen dennoch durch die oberste Schicht. Die Schichten die Sills Werke durchwirken, setzen bekannte Muster, Formen und Motive neuen Umgebungen aus, deren Oberflächen traumhaft-farbig und tiefgründig zugleich wirken.

Eröffnung der Ausstellung Heidi Sill, "My Palimpsest", Galerie Sima, 5.2. bis 23.3.2013, © Galerie Sima

Sills Ästhetik ist nicht leicht zu durchschauen, denn ihre Werke sind „vielschichtig“ und entziehen sich dem unreflektierten Bilderkonsumenten. Wer sich jedoch mit ihnen auseinandersetzt, gewinnt Einblick in eine Bilderwelt, in der Schönheit und Verletzung unauflösbar verbunden sind.

WANN: Ausstellungsdauer 6. Februar bis 23. März 2013
WO: Galerie Sima, Hochstrasse 33, 90429 Nürnberg

Vielleicht wirkt das künstlerisch aufgeladene AEG-Gelände nebenan anziehend?  Nach Nürnberg geholt hat sie Bernd Wurlitzer, Kurator der Ausstellung und Art Consultant, der in Berlin arbeitet. Die Idee dazu kam vom Leiter der Niederlassung Nürnberg, Prof. Dr. Thomas Edenhofer.

Wurlitzers facettenreiches Portfolio biete große Namen wie Jonathan Meese genauso wie  ausgewählte Geheimtipps wie Axel Geis. In dieser Ausstellung trifft Wirtschaftsmacht auf künstlerische Kraft: ausgefeilte Techniken (Stefan Thiel)  stehen digitaler Fotobearbeitung (Thomas Ruff; Holger Niehaus) gegenüber. Radikal-pastose Avantgarde (Meese) trifft auf rätselhaft spirituelle Bildaussagen (Axel Geis). Viel Platz gibt es für das Spiel mit dem Material, wie bei Wolfgang Flad oder Jürgen Drescher. Dessen Werke, „Umzugskarton“ und „Türkeil“, sind Aluminiumsandgüsse, die sich in noch ungenutzen Räume finden lassen. Sie nehmen Bezug zu ihrer Umgebung, den Geschäftsräumen, die noch vor kurzem eine Baustelle waren. Die Nähe zur hochkarätigen Kundendatei spürt man bei Christian Hoischens „Rolex“, die protzig an einer Bürowand prangt. Bernd Wurlitzer Wink zum Umgang mit Kunst, Geld und Steuerkanzleien.

Die Werkauswahl entstand durch Vorschläge des Kurators. Die unbelebten Räume des Neubaus werden unter seiner Regie zum Spannungsfeld zwischen Oberfläche und Tiefenwirkung – ein Thema, das Wurlitzer in jedem ausgewählten Werk verfolgt.

Was im Foyer wie die Fotografie einer Designer-Handtasche wirkt, ist eigentlich ein Scherenschnitt. Eine Technik, die uns entweder aus Kindertagen als Weihnachtsstern bekannt oder künstlerisch mit dem Namen Philipp Otto Runge verbunden ist. Stefan Thiel hat sie wiederbelebt und als Cut-outs zur Perfektion gebracht. Seine Motive fotografiert er zunächst, dann werden sie auf schwarzen Karton projiziert und übertragen, was je nach Detailaufwand bis zu zwei Monate dauern kann. Anschließend nutzt er ein Skalpell um die Konturen freizulegen. Die richtige Belichtung der Fotomotive spielt dabei eine große Rolle, denn der Betrachter soll später edles Material und klare Formen statt Tonkarton wahrnehmen.

Gegenüber präsentiert sich „Cassini 01“ von Thomas Ruff. Der Becher-Schüler verändert das Foto eines Planeten, das die Raumsonde Cassini geschossen hat, so lange bis ausschließlich Strukturen und Farben das Bild beherrschen. Ruff holt das Fremde so nah heran, dass das Erkennen schwer fällt.

Den Anfang im langen Korridor macht Michael Sailstorfers „Knoten“- Skulptur, zwei Seile, zwei Knoten, zwei abstehende Ende, die aus einem Holzbalken wachsen.
Im Besprechungsraum nebenan wird es blumig. Holger Niehaus inszeniert Blüten mit Störfaktor. Eine Sonnenblume korrigiert er mit Farbauftrag, bis ein plastikähnlicher Struktureindruck zwischen Kunstblume und Van-Gogh-Karikatur entsteht.

Neben der ästhetischen Blumenwelt hat Michael van Ofen kein Portrait gemalt. Er studiert eine Erscheinung, genauer eine Frau, die sich dem Betrachter zuneigt. Ihr Teint leuchtet aus dem schwarzen Hintergrund heraus, ihr Dekolletee ist farblich reduzierter als das Gesicht, fast ahnt man das schwarze Abendkleid. Sorgsam eingesetzte Pinseltupfer und Striche deuten Stofflichkeit und Textur des Abendkleids an, ein Schleier aus zarten Pinselstrichen liegt um ihre Schultern. Ihre Frisur ist streng, vielleicht sind ihre Haare grau. Dennoch wirkt sie mädchenhaft, lieblich und ist dabei anonym und distanziert, was nicht daran liegt, dass ihre Gesichtskonturen nicht zu sehen sind. Eine mystische Aura umgibt die Dame, die uns mit subtiler Wirkung in ihren Bann zieht.

In der Nähe hat Axel Geis seine Variante des Pierrot in Szene gesetzt. Hinter Glas streckt sich ein trotziges Kind in weißen Pierotkostüm auf grauem Hintergrund. Das Blatt selbst ist notdürftig mit Klebeband befestigt, mehrfach hat der Maler seinen Schuhabdruck darauf hinterlassen und mit groben waagrechten Strichen einen Raum für den Clown geschaffen.

Das selbsternannte Erzbaby der Kunst, Jonathan Meese, hat für “COLONEL BLUTHUND IM FEUER “BLUTMUND” einen Raum für sich. Grellbunter, pastoser Farbauftrag formte die martialische Erscheinung des Colonel, der wirkt als sei er von einem feindlichen Stern aus dem All. Aus schmalen Schlitzen fixiert er den Betrachter, sein Mund scheint von einem Gitter verborgen. Dafür trägt er einen Anzug und neben seinem Kopf deutet sich ein eisernes Kreuz an einem Rosenkranz an.

Wie ein Spiegel präsentiert sich Gregor Hildebrandts “Sich in einem Glas spiegeln (Meine Nächte….)”. Die verblüffende Optik seiner Werke erreicht er durch die Verwertung eines fast vergessenen Materials: Videoband wird auf die Leinwand geklebt. Teils kratz er die Oberfläche seiner Werke auf und erklärt im Titel, welches Musikstück er gerade visualisiert. Für seine eigene Interpretation von Madonnas „La Isla Bonita“ braucht er nur  Spuren einer stilisierten Palme in das Band zu ritzen, um das Video in Kopf des Betrachters zu starten.

Am Ende der Sichtachse bildet der „Knoten“ zu Stephan Balkenhols „Männerkopf“ eine Klammer um die Bilder, die dazwischen in Büros und Flur liegen. Die grobe Gesichtsbehandlung bewirkt  Mimik, die hölzernen Falten formen bei aller Wiederholung in Balkenhols Werk so etwas wie Individualität. Müdigkeit  steht in den holzigen Zügen und merkwürdige Unbelebtheit geht von ihm aus, was vermutlich daran liegt, dass sein Hals direkt aus einem Sockel wächst.

Aus der Masse der Firmenausstellungen ragt diese definitiv hervor. Doch sind es nicht dir großen Namen, die die Überraschungen schaffen, sie sind hier eher Zugpferde für Entdeckungen. Vielmehr sind es die Augentäuschungen wie die Handtaschen aus Karton von Stefan Thiel, Umzugskartons aus Metall von Jürgen Drescher oder Materialspiele eines Wolfgang Flad, die in Gedächtnis bleiben.

Ausstellung bei Rölfs RP AG | Initiator: Prof. Dr. Thomas Edenhofer | Kurator: Bernd Wurlitzer

Künstler: Stefan Thiel, Thomas Ruff, Wolfgang Flad, Michael Sailstorfer, Axel Geis, Holger Niehaus, Michael van Ofen, Olaf Holzapfel, Norbert Schwontkowski, Gregor Hildebrandt, Thomas Scheibitz, Andreas Schulze, Axel Kasseböhmer, Christan Hoischen, Michael Kunze, Jonathan Meese, Jürgen Drescher, Marcel van Eeden, Mark Brandenburg, Gregor Hildebrandt, Katja Strunz, Stephan Balkenhol.

Alexandra Vogt vor ihrer Videoarbeit "Effugium 2012" im Nürnberger zumikon, Foto: Institut für moderne Kunst Nürnberg

“Kammlach im Unterallgäu –

Dies ist der Wohnort und Wirkungsbereich der Künstlerin Alexandra Vogt, die dort in einem stillgelegten Milchwerk seit über 10 Jahren lebt und arbeitet. Sie lebt dort mit ihren Pferden auf 5000 qm und führt – das kann man uneingeschränkt sagen – ein eigentümliches und sehr besonderes Dasein, sie lebt sozusagen in einem – wie es Annette Scholl im Katalog beschreibt – »Container der Einsamkeit«. Alexandra Vogt selbst spricht von einer symbiotischen, also einer latent manischen und sich abhängig bedingenden Beziehung mit dem ehemaligen Industriegebäude des Milchwerks St Mang. Der Ort fungiert als Atelier, ist Wohnung aber auch Pferdekammer und Pferdeumkleide, ist Bühne, Filmproduktionsstätte und vieles mehr. Insgesamt also ein spezieller und extrem unkonventioneller Lebenszusammenhang, ein Verwachsensein mit einem Ort, der Vogts künstlerisches Schaffen nahezu determiniert, mindestens aber extrem beeinflusst. Aufgrund dieser Voraussetzungen haftet ihrem Werk eine spürbare innere Geschlossenheit an, die je nach Betrachtung als Autonomie oder Autismus gelesen werden kann.

Nun Alexandra Vogts Werk ist äußerst vielschichtig und bewegt sich in einem breiten Spektrum zwischen Fotografie, Zeichnung, Collage,  Malerei, Video und knüpft an den erweiterten Installationsbegriff an. Der Fülle des Werks entsprechend Raum zu geben ist die Idee entstanden, erstmalig die Arbeiten einer Künstlerin parallel – also sowohl im zumikon als auch im Atelier- und Galeriehaus Defet zu zeigen.

Ausstellungsansicht "Alexandra Vogt: Twist of fate" im Atelier- und Galeriehaus Defet, Foto: Institut für moderne Kunst Nürnberg

Im Atelier- und Galeriehaus Defet präsentiert sie unter dem Titel „Twist of fate“ – so heißt auch die jüngste Fotoserie – in einer Wand füllenden Bilderinstallation einen assoziativen Querschnitt durch ihr Werk und dessen innere Kontingenz (inneres sich Berühren): Leitmotiv der Arbeiten sind Alexandra Vogts Pferde und die umgebende Landschaft ihres Wohnortes Kammlach. Über 80 Werke aus den letzten 12 Jahren hat sie zu einem riesigen Tableaux, zu einer ebenso spannenden wie überwältigenden Bilderwand zusammengeführt. Der Besucher trifft auf ein Figurenarsenal aus mystisch-sexuellen Tiermenschen und Pferdemädchen, eingewoben in einen teils ironisch gebrochenen Romantizismus aber immer getragen von einer Aura zwischen Vergötterung und Distanzierung. Einerseits kommen diese Arbeiten wie kleine mythische Erzählungen daher, die von Ängsten und Sehnsüchten, von Ikonen der Kindheit, vom Erscheinen und Verschwinden sprechen, andererseits birgt diese befremdliche mit Fetischen aufgeladene Intimität des Vogtschen Tier-Menschkosmos eine irritierende Dimension von Zeit, die sich in dem Kippmoment von Nähe und Distanz ereignet. Letztlich tun die Bilder so, als würden sie eine Geschichte erzählen, aber man steht vor ihnen wie vor einem Traum, den man nicht entschlüsseln kann. Und man hat unweigerlich den Eindruck die Wesen/die Mischwesen würden sich in Kürze bewegen, die Szene würde zur Aufführung kommen, womit die labile Grenze zwischen Inszenierung und Dokumentation aufgehoben ist. Eine Art Schwebezustand.

Ausstellungsansicht "Alexandra Vogt: Effugium 2012" im zumikon, Foto: Institut für moderne Kunst Nürnberg

Nun auf diese unausweichliche Anziehungskraft und Präsenz trifft der Besucher auch in dem Video »Effugium 2012«, das im studio des zumikon gezeigt wird. Effugium das ist die Flucht, der Fluchtweg, der Rückzug (das Gegenteil von Refugium). Der Begriff spielt mit der Idee des Auswegs aus einer eigentlich aussichtslosen Situation. Mit diesem Film führt uns Alexandra Vogt in ein wunderliches von der Welt Abgeschiedensein. Im ersten Eindruck kommt es einem vor wie ein Kreuzweg mit zahllosen Stationen und einem labyrinthisch anmutendem Wegenetz, das in einem System angelegt, dessen Anfang und Ende offen ist. Irgendwie unheimlich, bedrückend, beklemmend aber auch poetisch – zwischen Erhabenheit und Devotion, zwischen Traum und Alptraum. Ein gegenläufiges Mysterien-Transformtions-Theater, das die Ereignislosigkeit der Epiphanie zum Thema hat? Vielleicht.

Der Drehort ist eine reale Einsiedelei, das Video eine Fiktion inmitten eines echten Waldes, der von Toren, Pflanzkübeln, künstlichen Blumenarrangements und gemahnenden Sentenzen aus Psalmen und christlichen Erbauungssprüchen gesäumt ist. Getragen wird die Szenerie von einer Tonkomposition, (Ephemeroptera), die zwischen gregorianischen Gesängen und Elektroorgel angesiedelt ist und das atmosphärische Changieren zwischen erlösendem Licht und limbushafter Dämmerung potenziert. Der Eremit aber und dessen Heilslehre bleiben ausgespart, die Erwartungshaltung läuft ins Leere. Denn das Entscheidende für Vogt ist nicht die Dokumentation, sondern die größtmögliche Entfernung vom Objektiven.

Ausstellungsansicht "Alexandra Vogt: Effugium 2012" im zumikon, Foto: Institut für moderne Kunst Nürnberg

Eine magische Energie begleitet den Film und Alexandra Vogt speist dieses unauflösliche Moment von Rätsel und Zauber mit ihrer Lust am Absurden und ihrer Affinität reale Bezüge in der Fiktion zu verschränken. Sie spielt freilich mit dem Docufiction-Charakter, lässt Unberechenbarkeit und zufällige Konstellationen sich konstruktiv auf das Geschehen auswirken. Und damit gelingt es ihr die Vorstellung zu erweitern, mindestens aber den Betrachter aus der Anschauung, der konsumierenden Anschauung in die Partizipation zu führen. Ein ebenso absurd-visionäres wie regressives Vorgehen, das an David Lynchs Faible für verstörend alptraumhafte Phantasmagorien denken lässt. Vogt selbst meint in einem Interview hierzu, dass sie so etwas wie Heimatpflege betreibe und dass Vieles aus einer Art poetischem Standby heraus passiere, aus dem Flanieren zwischen Koppeln, Kirchen und Kuriositäten.”

Rede von Petra Weigle anlässlich der Ausstellungseröffnung von “Effugium 2012″ im zumikon

ALexandra Vogt und Manfred Rothenberger in der Ausstellung "Alexandra Vogt: Twist of fate" im Galerie- und Atelierhaus Defet, Foto: Institut für moderne Kunst Nürnberg

Ein Hauch von internationalem Kunstzirkus weht durch die weißen Räume der Kunsthalle Nürnberg. Zu Gast ist Charline von Heyl, eine Deutsche Künstlerin, die mittlerweile in namenhaften Ausstellungshäusern wie dem MoMa in New York vertreten ist. In Zusammenarbeit mit der Tate Liverpool können ihre Werke bis zum Ende dieses Monats betrachtet, bestaunt, bebogen und nicht zuletzt beurteilt werden.

Zum Betrachten gibt es 25 Werke aus den letzten 15 Jahren der Künstlerin, die noch bei Immendorf in die Schule gegangen ist und mittlerweile in New York lebt und arbeitet. Die großformatigen, annähernd quadratischen Gemälde spielen mit der Tiefe der flachen Leinwand und der Bewegung der starren, getrockneten Farbe.

Zum Bestaunen laden Arbeiten wie Hibou Habibi aus dem Jahr 2011 laden ein. Ein Musterspiel zwischen akkuraten Acryllinien und ekstatisch wild gezogenen Kohleschwüngen zieht den Blick in die Tiefe. Den Assoziationen sind hierbei keine Grenzen gesetzt.

Ihr bisheriges Werk erscheint heterogen, wobei sich das Verhältnis von akkuraten, geometrischen Streifen mit amorphen Formen häufig durchsetzt. Diese Werke sind in der Ausstellung auch die interessantesten. Hierbei ist besonders der Kontrast von bewusst gesetztem und kontrolliertem zum Eigenleben, das die Farbe entwickelt, interessant. Mit dem Pinsel kontrolliert die Künstlerin das dunkle Schwarz und zwingt es in Streifen. Derselben Farbe erlaubt sie jedoch auf der gleichen Leinwand zu zerfließen, sich zu verflüssigen und zu „wachsen“. Das sind die spannenden Momente in der Ausstellung. Leider wirkt die Hängung beliebig. Die weiß dominierten Werke gehen an den großen Wänden der Kunsthalle teilweise unter.

Dusty Dafni, 2011, Acryl auf Leinwand / Acrylic on linen Private collection / Privatsammlung; Courtesy of 1301PE Los Angeles Hibou Habibi, 2011, Acryl und Kohle auf Leinwand / Acrylic and charcoal on linen Sammlung / Collection of Christen & Derek Wilson Photos: Annette Kradisch, Nürnberg

Zum Biegen gibt es immer mal wieder etwas. Und an dieser Stelle spürt man den Einzug der Großstadt in die Frankenmetropole. Neben dem klassischen Führungsprogramm hat man sich an der Kunsthalle etwas ganz besonderes einfallen lassen. Genannt wird das ganze „art moves“ und gemeint ist damit ein die Ausstellung begleitender Yogakurs. In der Beschreibung heißt es: „Die abstrakten Gemälde und Grafiken Charline von Heyls sind Anlass für eine besondere Form der Kunstvermittlung, die Bewegung, Körpererfahrung und Entspannung mit Kunstgesprächen verbindet.“

Diese Verbindung kann man jeden Mittwoch jeweils 12.30–13.00 Uhr als Schnupperkurs bzw. Dienstag ab 18 Uhr für sich erproben. So neuartig und interessant diese Idee ist, degradiert es die Gemälde zu großflächigen Wandtapeten eines Fitnesstempels. Was die Werke am Ende mit fernöstlichen Meditationsübungen zu tun haben sollen, ist mir unerklärlich.

Black Stripe Mojo, 2009, Acryl und Öl auf Leinwand / Acrylic and oil on linen; Private collection, The Netherlands / Privatsammlung, Niederlande; Dusty Dafni, 2011, Acryl auf Leinwand / Acrylic on linen Private collection / Privatsammlung; Courtesy of 1301PE Los Angeles; Photos: Annette Kradisch, Nürnberg

Zum Beurteilen muss man dann nur noch selbst in die Ausstellung gehen. Für Fans realistischer Malerei ist sie eher nicht zu empfehlen. Für den schnellen Kunstgenuss zwischendurch ist die Ausstellung auch eher nicht geeignet. Man muss sich schon intensiv mit der Malweise von Heyls auseinandersetzten und sich auf die Materialität der Werke einlassen. Wer sich dann aber dem abstrakten Expressionismus in meditativer Weise hingeben kann, sollte sich aus dem Lotussitz lösen und den Sonnengruß auf später verschieben.

Die Ausstellung Charline von Heyl „Now or Else“ ist noch bis zum 30.09. in der Kunsthalle Nürnberg zu sehen.

Dienstag bis Sonntag 10.00-18.00 Uhr; Mittwoch bis 20.00 Uhr; Montag geschlossen.

Sebastian Kuhn, Hifloored, Foto: Thomas Riese

Der Ausstellungsraum der Galerie Oechsner wird durch ein labiles, schaumstoffunterfüttertes Spiegelblech mit der Außenwelt verbunden auf dem sogar dem Unkundigsten deutlich gemacht wird, dass die Teppiche im Zentrum des Raumes zum Kunstwerk gehören und nicht zu betreten sind. Es ist Teil des Werkes hifloored von Sebastian Kuhn, das mit weiteren Arbeiten, die zum einen aus demselben Workflow bzw. aus der früheren Werkserie shift stammen, noch bis zum 28. April in der Galerie gezeigt werden.

Bei hifloored handelt es sich um ein Kunstwerk, dass die Gattungen Skulptur und Rauminstallation verbindet. Der Künstler Sebastian Kuhn ist vor allem durch seine dekonstruktivistischen Skulpturen bekannt, in welchen er mit Bedeutung, Imagination und Material spielt. Ebendies findet sich auch bei diesem Werk.

Unterschiedlich große rechteckige Teppichstücke in pastelligen braun-blau-orangen Farbtönen lagern sich an- und nebeneinander, wobei große Bahnen in Voluten eingerollt die Flächigkeit durchbrechen. In mehreren Elementen wird das Motiv des sich aus dem Boden Enthebens wiederholt. Ein großes Spiegelblech in der Mitte scheint von Licht getragen zu schweben, ein Stahlgitter ist Aussichtpunkt für eine anmutige, filigran gebogene Plexiglasform in sanften Blau, das im Werk Sebastian Kuhns einen Wiedererkennungswert hat. An einem Kopfende der rechteckigen Gesamtfläche wird der Aspekt der Skulptur aufgegriffen. Ein dreigliedriges Bronzegussrelief, durch einen langen, weißen Sockel museal präsentiert, ist so drapiert, dass es entgegen der Bestimmung als Wandrelief allansichtig ist. Die Angüsse sind sichtbar, so dass die „Fehler“ zum Werk gehören und dadurch auf den Fertigungsprozess hinweisen. Die Technik des Bronzeguss steht im Mittelpunkt und ist durch den Sockel als solcher markiert.

Voluten, sanfter Faltenwurf im Plexiglas, hochwertige Materialien im Teppich, die Spiegel und der Bronzeguss auf einem Sockel. In den indexikalischen Zeichen erkennt man die Anspielungen an den Barock, der ihm in Publikationen nachgesagt wird. Im Erscheinungsbild blickt der Betrachter allerdings auf eine zeitgenössische Rauminstallation. Die Deutungsebene als Anspielung auf die Tradition der Skulptur ist erst durch die Erklärung des Künstlers lesbar, dann aber auch plausibel.

Sebastian Kuhn, Hifloored, Foto: Thomas Riese

Hifloored muss erlaufen werden. Der Perspektivwechsel ist notwendig um die Komplexität des Anfangs als eindeutig eingestuften Werks erfahrbar zu machen. Wer zu Beginn aufstöhnte „nicht noch eine Rauminstallation“, wird sich auf die Gedankenwelt des Künstlers einlassen müssen und dann auch seine Freude daran finden, den Blick über die Teppichlandschaft schwelgen zu lassen, um immer neue Wege in der Assoziation zu beschreiten.

von Jacqueline Klusik

Gezeigt werden Arbeiten von Birke Bonfert, Lisa Jäger, Lea Linck, Paulina Mandl, Adriana Marka, Ivanka Penjak, Sarah Wittmann und Friederike Wolf aus den Bereichen Malerei, Skulptur, Fotografie, Video und Design.

Die Ausstellung wurde von dem Kunsthistoriker Alexander Racz M. A. und der Kunstgeschichtestudentin Eva-Sophie Kratina kuratiert, die die Plattform Kunstnürnberg ins Leben gerufen haben, um studentische Kunst in Nürnberg zu fördern.

Mit dem Pilotprojekt “Studentinnen stellen aus” zeigt Kunstnürnberg studentische Arbeiten von allen kunstschaffenden Universitäten Nürnbergs erstmals in einem Raum. Die Grenzen der einzelnen Unis konnten so gesprengt werden, und das studentische Kunstschaffen Nürnbergs exemplarisch zusammengetragen werden.

Mit dem Ausstellungsort am Josephsplatz 8 (Coworking Nürnberg) wählten die Kuratoren einen kunstfremden Wirschaftsraum, der von Selbstständigen, Freiberuflern, Kreativen und Existenzgründer zum Arbeiten, und für Konferenzen genutzt wird. Die Studentinnen erhielten so die Möglichkeit ihre Kunst außerhalb des universitären Hochschulrahmens einer neuen Betrachterschicht zugänglich zu machen.

Der Austausch von studenttischer Kunst und Wirtschaft wurde so gefördert, und den Stundentinnen konnte die Möglichkeit gegeben werden, neue Kontakte zu einer geldstarken Käuferschicht aufzubauen. Den Unternehmern wurde andererseits exemplarisch die Kunstproduktion ihrer Stadt vor Augen geführt, und es konnte ein von Kunst geprägtes angenehmes Arbeitsumfeld geschaffen werden, in dem die studentische Kunst genügend Zeit zur Entfaltung vom Betrachter bekommt.

Die zentrale Lage des Ausstellungsraums in der Nürnberger Innenstadt bietet auch für die kunstinteressierte Nürnberger Bevölkerung eine attraktive Anlaufstelle, um sich mit der studentischen Kunstproduktion ihrer Stadt auseinander zu setzen. Hierbei werden die Besucher aufgefordert ohne Scheu durch den Büroraum zu schlendern, um sich die einzelnen Werke anzusehen (Öffnungszeiten: Montag – Freitag, 9 – 18 Uhr).

Um ein besseres Verständnis der Kunstwerke zu erzielen gaben die Kuratoren einen Ausstellungskatalog heraus, der mit Abbildungen und Texten die Arbeiten beschreibt und verständlich macht. Er kann für 4 Euro im Ausstellungsraum erworben werden.

Der Besuch der Ausstellung “Studentinnen stellen aus” in Zusammenhang mit dem Lesen der Katalogtexte ist äußerst empfehlenswert, und man darf gespannt sein, was die Kuratorenkombo Racz – Kratina unter ihrer Plattform Kunstnürnberg in Zukunft zeigen werden. Weitere Ausstellungen mit Nürnberger Studenten sind bereits in Planung!

www.kunstnuernberg.de

Photograph: Cristopher Civitillo