gallerytalk.net traf Ayzit Bostan zum Interview, Foto: Benita Böhm

gallerytalk.net traf die Modedesignerin und Künstlerin Ayzit Bostan anlässlich ihrer Edition für das Münchner Restaurantkonzept „Charlie“ zum Interview. Schon 1997 ehrte die Stadt München die künstlerische Leistung der gelernten Damenschneiderin mit dem Förderpreis für angewandte Kunst. Zuletzt bezauberte uns die gebürtige Türkin gemeinsam mit Gerhardt Kellermann mit dem Projekt „Replika“ im Münchner Hofgarten, das in Zusammenarbeit mit dem Kulturreferat München entstand. Im Interview sprach sie über Charlie Brown und die Schnittstelle von Kunst und Mode.

Zu Besuch in Ayzit Bostans Atelier während der Vorbereitungen für die Edition, Foto: Benita Böhm

gallerytalk.net: Du bewegst dich mit deiner Arbeit an der Schnittstelle zwischen Modedesign und bildender Kunst. Was sagt das über dein Selbstverständnis aus?

Ayzit Bostan: Egal ob ich Kleider oder Kunst kreiere, ich gehe sehr präzise und nach meinem eigenen Rhythmus vor. Dabei fühle ich mich und meine Arbeit keinem Metier konkret zugeordnet. Modedesign und Kunst greifen bei mir ineinander. Beispielsweise habe ich bei meinem Projekt „Replika“ die Arkaden im Münchner Hofgarten mit Vorhängen bestückt und dadurch ein „Kleid für den Hofgarten“ geschaffen. Meine Kunst hat meistens textile Bezüge und auch meine Kleider, vor allem meine Taschenkollektion, haben objekthaften Charakter. Ich empfinde meine Vorgehensweise weder als Vor- noch als Nachteil. Sie drückt sich durch eine sehr persönliche und sensible Auseinandersetzung mit Projekten aus und macht meinen eigenen Stil aus. Dabei geht es mir um eine essentielle aber auch poetische Schönheit die ich visualisieren möchte.

Replika, Installation Hofgarten München 20.07.-22.10.2012 by Ayzit Bostan & Gerhardt Kellermann, www.replika.cc

gallerytalk.net: Kann man die morgendliche Wahl der Garderobe als kuratorische Leistung ansehen?

Ayzit Bostan: Das ist eine interessante Idee, über die ich so noch nicht nachgedacht habe. Ich glaube die Kombination von Kleidung ist für uns ein alltäglicher und dadurch unbewusster Prozess geworden. Dennoch finde ich, dass es fast keine intimere Auseinandersetzung mit dem Menschen gibt, als die des Anziehens. Ich empfinde es als Kompliment, wenn eine Person bereit ist, meine Kleidung zu tragen, sie auf ihre Haut zu lassen. Darin steckt eine wahnsinnige Sensibilität. Sowieso mag ich ja keine Mode. Ich mag nur gute Kleidung. Deshalb denke ich, dass die morgendliche Kleiderwahl eher eine Wertschätzung als etwas Kuratorisches ist.

Zu Besuch in Ayzit Bostans Atelier, Foto: Benita Böhm

gallerytalk.net: Was steckt hinter der Edition, die du fürs Charlie entworfen hast?

Ayzit Bostan: Das Charlie ist ein Restaurant, das Freunde von mir betreiben. Sie fragen jeden Monat einen anderen Münchner Künstler, Designer oder Grafiker, ob sie ein kleines Geschenk in einer Auflage von 100 Stück entwerfen wollen. Für meine Edition wollte ich mich unbedingt auf das vietnamesische Restaurant beziehen. Da ich den Namen Charlie mit der Figur Charlie Brown assoziierte, zeichnete ich einen vietnamesischen Charlie Brown und ließ ihn auf Stoffservietten drucken. Ich mag es Motive zu verändern und dadurch deren komplette Aussage zu verändern. Außerdem finde ich Charlie Brown mit seinen Brotfüssen einfach unglaublich sympathisch. Durch die Verwendung der Servietten kommt wiederrum mein textiler Hintergrund zum tragen.

Ayzit Bostans Edition fürs Charlie, Foto: Benita Böhm

gallerytalk.net: Seit Oktober hast du eine Professur an der Kunsthochschule in Kassel für das Design textiler Produkte. Wie gibst du deine Erfahrung an deine Studenten weiter?

Ayzit Bostan: Meine Studenten erwarteten bestimmt ein minimalistisches Thema von mir. Aber ich wollte selbst etwas lernen und nicht nur Gelerntes weitergeben. Deshalb habe ich das Thema Voodoo für mein erstes Projekt ausgewählt. Die Religion soll durch einen Entwurf in unsere Welt transportiert und in die Moderne eingesetzt werden. Bei der Umsetzung versuche ich meinen Studenten zu helfen, indem ich ihr Talent und ihre Neugier anrege. Ich will ihnen gerade nicht meinen eigenen Geschmack aufzwingen. Da ich selbst nicht studiert habe, weiß ich nicht ob diese Art von Methode richtig oder falsch ist. Aber es fühlt sich gut an.

Ayzit Bostan bereitet die Edition fürs Charlie vor, Foto: Benita Böhm

gallerytalk.net: Was sehen wir 2013 von dir?

Ayzit Bostan: Im Januar wird endlich meine Taschenkollektion fertig sein, worauf ich mich schon sehr freue. Und für Februar ist eine Fotoausstellung zu meinem Projekt Replika geplant. Es werden Fotografien von unterschiedlichen Fotografen gezeigt, die jeweils ihre eigene Sichtweise von der Installation eingefangen haben. Diesen Gedanken habe ich auch für meine Jahresgabe für den Kunstverein München aufgegriffen. Von mir wird es eine Arbeit geben, die Replika aus einer besonderen Perspektive zeigt.

Vorbereitungen für Ayzit Bostans Jahresgabe 2012 für den Kunstverein München, Foto: Benita Böhm

Walter Storms, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Wie kamen Sie mit der Kunst in Berührung?

Walter Storms: Meine erste Ausstellung habe ich 1968 organisiert, als ich noch im Gymnasium war. Ich war damals Manager einer Rock’n’Roll Band, deren Gigs ich organisierte. Osteuropa hat mich sehr fasziniert. Und so fuhren wir mit der Band nach Prag. Dort lernte ich dann einen Künstler kennen, dessen Grafiken mir gut gefielen. Seine Arbeiten schmuggelte ich über die Grenze, rahmte sie eigenhändig in meinem Gymnasium und hängte sie dort in einem der Räume auf. Im Telefonbuch suchte ich alle wichtigen Adressen zusammen und lud die gesamte Stadtprominenz zur Vernissage ein. Wir haben alles verkauft.

Walter Storms, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Herr Storms, auf wie viele Jahre Galerietätigkeit blicken Sie zurück?

Walter Storms: Meine Galerie gibt es bereits 35 Jahre. 1972 verließ ich Köln um in München Kunstgeschichte zu studieren. Damals erschien München als Nabel der Welt. Im Zuge der olympischen Spiele durchlebte die Stadt einen unbeschreiblichen Wandel. Die infrastrukturelle Neugestaltung mit dem Bau der U-Bahn und der Fußgängerzone hat dazu stark beigetragen. Doch insbesondere das olympische Kulturprogramm zog massenweise junge Leute an. Viele wollten dabei sein und ich auch.

Walter Storms mit Benita Böhm von gallerytalk.net, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Wieso sind Sie Galerist geworden?

Walter Storms: In Düsseldorf lernte ich Günther Uecker kennen, der in der Kunstszene bereits ein Star war. Dagegen war ich eine Null. Er war es, der mich dazu ermutigte eine Galerie zu eröffnen. Als Kunststudent war ich ja ein reiner Theoretiker und hatte von geschäftlichen Dingen keine Ahnung. Aber Uecker hat mich sehr ermutigt und mir seine Hilfe zugesagt. So eröffnete ich meine Galerie und lernte mit der Zeit, worauf es in diesem Beruf ankommt.

Walter Storms während des in der Galerie veranstalteten Siebdruckworkshops anlässlich der Open Art, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Hat sich die Münchner Kunstszene und das Kunstpublikum seitdem verändert?

Walter Storms: Um 1977 herum gab es einen Galerienboom in München. Ich gründete damals nicht nur meine Galerie sondern mit drei Kollegen auch die Kunstzeitschrift „Neue Kunst in München“. Gemeinsam mit 10 bis 12 anderen Galerien entstand die heute noch bestehende „Initiative Münchner Galerien für zeitgenössische Kunst“, deren Sprecher ich 20 Jahre lang war. Wir waren die ersten in Deutschland, die in Form der „Open Art“ ein Galerienwochenende organisierten. Mittlerweile gibt es das ja in jeder Stadt. Doch wir sind die Einzigen, die dieses Format mit einer derart ununterbrochenen Kontinuität inzwischen seit 24 Jahren durchgezogen haben. Darüber hinaus gibt es heute ein breiteres Angebot, z.B. durch die neugegründeten Fördervereine der Kunstinstitutionen, die heute auch spezielle Programme für junge Kunstliebhaber anbieten.

Ausstellungsansicht "Rupprecht Geiger und Shannon Finley - Licht" in der Galerie Walter Storms, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Was macht Ihre Künstlermannschaft aus?

Von Anfang konzentrierte ich mich auf ungegenständliche, konkrete Kunst und engagierte mich besonders für Künstler aus Italien und Osteuropa. Über die Jahre sind viele Künstler hinzugekommen, die in den unterschiedlichsten Medien, aber immer „konkret“ arbeiten. Mit den Künstlern, die ich jahrelang ausstelle, verbindet mich eine lange und enge Freundschaft. Wir haben schon einen Omnibus für einen Ausflug gemietet oder sind gemeinsam aufs Oktoberfest gegangen. Diese persönliche Komponente ist mir sehr wichtig. Ich liebe es Menschen zusammen zu bringen. Teilweise war die ältere Generation meiner Künstler Vorbild für das Schaffen der Jüngeren. Es ist interessant einen Austausch zwischen ihnen herzustellen und zu sehen, wie die Jungen von den Erfahrungen der Alten lernen aber auch umgekehrt die Alten furch die frischen Ideen der Jungen inspiriert werden.

Walter Storms mit Julia Geiger während des Siebdruckworkshops anlässlich der Open Art, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Ihre aktuelle Ausstellung stellt die Arbeiten der Künstler Rupprecht Geiger und Shannon Finley gegenüber. Begreifen Sie sich bei solchen Ausstellungskonzepten mehr als Kurator oder als Galerist?

Walter Storms: Man sieht sich bei jeder Ausstellung als Kurator. Vor allem die Künstler übertragen dem Galeristen unbewusst diese Aufgabe, selbst wenn sie das gar nicht vorhatten. Eine Ausstellung einzurichten bringt den Künstler, der voller kreativer Ideen ist, und den Galeristen, der die Kunstwerke an die Öffentlichkeit bringen will, dazu gemeinsam an einem Strang zu ziehen. Galeriearbeit ist kein reiner Kunsthandel. Ein Galerist arbeitet an der Basis. Er ist meist der erste, der die Arbeiten, die teilweise noch nie auf dem Kunstmarkt waren, im Atelier sieht. Vor allem haben Künstler bei der Produktion ihrer Werke nicht vor Augen, wie eine Arbeit später gezeigt werden soll. So muss der Galerist, der die äußeren Umstände kennt, die Werke auswählen und sie „an die Wand bringen“. In der Regel mache ich Einzelausstellungen, aber wenn ich ein bestimmtes Thema habe, auch Gruppenausstellungen. Mehrere Künstler nebeneinander auszustellen kann eine interessante Dynamik in das Ausstellungskonzept bringen.

Besucher des Siebdruckworkshops in der Galerie Walter Storms, Foto: Anatol Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Wieso haben Sie gerade Shannon Finley mit Rupprecht Geiger zusammengebracht?

Walter Storms: Inhaltlich spielt das Thema Licht die entscheidende Rolle. Es ist der kleinste gemeinsame Nenner, auf dem man Geiger und Finley zusammenbringen kann. Dennoch bestehen Unterschiede. Beispielsweise der Generationenunterschied der Künstler. Dennoch zeigt die direkte Gegenüberstellung die „Jugendlichkeit“ des Altmeisters Geiger und auf der anderen Seite die Reife der Werke Shannon Finleys. Es bestehen aber auch technische Verschiedenheiten. Rupprecht Geiger setzt die Pigmente pur und fast schon körperlich auf die Leinwand. Shannon Finley hingegen arbeitet sehr transparent, in unzähligen Schichten.

Beide Künstler schaffen auf der Basis optischer Phänomene mit Farben ungegenständlichen Raum. Geiger erreicht dies durch die fluoreszierenden Tagesleuchtfarben, Finley dagegen durch die prismatisch entwickelte Tiefenschichtung.

Das Interview führte Benita Böhm.

Walter Storms, Foto: Anato Obolensky (www.anatol.ch)

gallerytalk.net: Wie siehst du deine Arbeit im Verhältnis zu traditioneller Bildhauerei?

Nico Kiese: Wenn ich mich konkret festlegen müsste, würde ich mich als Bildhauer bezeichnen. Darunter ordne ich alles ein was plastisches Arbeiten umfasst. Die zeitgenössische Bildhauerei zeichnet sich im Gegensatz zum traditionellen Verständnis des Genres durch eine breite Vielfalt an Materialen und die unbegrenzten Möglichkeiten ihrer Bearbeitung aus. Das macht den Arbeitsbereich so interessant. Auf der anderen Seite schafft diese Fülle aber auch eine Komplexität, die überwunden werden muss. Anders als ein klassischer Holzschnitzer sehe ich mich immer wieder mit der Frage konfrontiert, welches Material ich auswähle, wie ich es bearbeite und warum. Skulptur oder Installation? Klein oder groß? Und warum entscheide ich mich überhaupt dafür? Je mehr Auswahl ich habe, desto länger denke ich auch darüber nach.

gallerytalk.net: Würdest du dich als konzeptuellen Künstler bezeichnen?

Nico Kiese: Oft bin ich mir darüber selbst nicht im Klaren. Es ist einfacher etwas Freies und Abstraktes zu kreieren. Die Spannung der Objekte entsteht bereits durch Form- und Farbgebung. Es ist ein meditatives Arbeiten, dass sich von selbst entwickelt. Trotzdem versuche ich auch konkrete Konzepte zu erarbeiten, was eine ganz andere Herangehensweise darstellt. Bei meinen Installationen habe ich oft eine konkrete Symbolik vor Augen, die umgesetzt werden muss.

gallerytalk.net: Kannst du uns den Entstehungsprozess deiner Arbeiten exemplarisch an einer deiner Bronzeskulpturen näher bringen?

Nico Kiese: Ich habe begonnen mit der Spannung und Biegsamkeit von Papier zu experimentieren und kleine Module zu konstruieren, die ich vervielfältigt, zusammengesetzt und schließlich mit Wachs überzogen habe. Die Formfindung der Skulpturen kann man grundsätzlich als einen sehr intuitiven und handwerklichen Prozess beschreiben. Schon beim Überziehen der noch sehr filigranen und biegsamen Papierskelette mit Wachs verändern sich Aussehen und Wirkung komplett. Auch das Wachs hat je nach Verarbeitungstemperatur spezifische Materialeigenschaften, mit denen ich arbeite. Die Wachsobjekte werden später im Gussverfahren in Metall umgewandelt und erzielen wieder eine völlig neue Wirkung.

Nico Kiese, Foto: Reiner Allgeier

Bei diesen Metallgüssen ist es mir wichtig Denkmuster und Erwartungen an das klassische Material umzukehren. So bearbeitete ich die Oberflächen der gegossenen Plastiken beispielsweise mit Lack oder sandstrahlte sie. Es interessiert mich Material bewusst anders zu verwenden. Vor diesem Hintergrund entstand auch meine Skulptur „Fertig aus“, bei der ich Gusstrichter, Guss und Luftkanäle so konstruierte, dass sie als Teil der Form wahrgenommen werden. Weiter entfernte ich nicht wie üblich säuberlich die  Gipsschamottemasse, sondern beließ Teile an der Skulptur und überarbeitete diese nur geringfügig. Ich wollte die Kraft, Rohheit und Handwerklichkeit, die für den Bronzeguss notwendig ist bei diesem Stück beibehalten.

Diese Art von Metallskulpturen stellt eine Serie dar, von der ich immer wieder denke, ich hätte sie abgeschlossen. Doch wahrscheinlich sind sie dafür als konstruktive Arbeiten zu wandelbar.

gallerytalk.net: Gehst du an die Konzeption deiner Installationen auch intuitiv heran?

Nico Kiese: Spannung, Kraft und Wirkung dieses Typs von Arbeiten kann man nicht an konkreten Punkten festmachen. Es kommt auf den Gesamteindruck an, weshalb ich viel analytischer vorgehen muss, als bei Skulptur oder Objekt. Deshalb dauert die Entwicklung einer Installation auch viel länger. Neben der handwerklichen Umsetzung kann die konzeptuelle Vorbereitung  die Hälfte der Zeit einnehmen.

gallerytalk.net: In welcher Beziehung stehen für dich Objekt und Raum?

Nico Kiese: Bei Rauminstallationen muss man zum einen mit dem ganzen Raum arbeiten und ergründen, in welcher Beziehung er mit der Installation steht. Dazwischen liegt dann die Vermittlung der eigenen künstlerischen Botschaft. Zum anderen ist in Installationen immer auch der Mensch an sich enthalten. Der Betrachter ist im Endeffekt wichtiger Teil der Installation. Das ist der größte Unterschied zu einzelnen Objekten. Die Installation wird am Menschen gemessen, beispielsweise daran wie groß er ist und wie er den Raum wahrnimmt. Deshalb muss ich als Künstler auch viel mehr Dinge bedenken und kalkulieren. Vor allem geht es dabei auch darum, mich selbst und die Dinge die ich darstellen will zu reflektieren.

gallerytalk.net: Kannst du uns ein Beispiel nennen?

Nico Kiese: Meine aktuellste Installation ist „Das Brot ist die Nahrung des Körpers, die Narzisse ist die Nahrung der Seele und wer zwei Laibe Brot hat, soll einen davon für den Preis der Narzisse festlegen.“ Hier habe ich den Galerieraum komplett mit Münchner Gehwegplatten ausgelegt. Somit wird nicht nur der Bezug zum urbanen Raum, sondern auch zu meinem persönlichen Alltagsleben in München hergestellt. Auf dieser Fläche aus Gehwegplatten verstreut liegen 30 Bronzeobjekte – Nägel denen Narzissenblätter und Blüten entwachsen, sowie ein großer abgenutzter Hammer –  Dazu kommt noch ein brunnen- bzw. schalenartiger Sockel der im Raum aufgestellt ist. Einige der Betonplatten sind zertrümmert, von dem sinnlosen Versuch die besagten Nägel in sie hineinzutreiben. Hierin ist eine Parallele zum künstlerischen Schaffen zu erkennen. Auch ich habe mich für einen Beruf entschieden, der mich erfüllt, mich aber oftmals eher vor Probleme stellt, als wirklich von wirtschaftlichem Nutzen ist. Durch die unvollendete, surreale Szenerie, die zum Scheitern verurteilt scheint, wird der Betrachter beim Betreten der Installation selbst zum Protagonisten. Allein der  Versuch die Geschehnisse zu rekonstruieren oder die Vorgänge in Gedanken zu vollenden, lässt ihn Teil der Installation werden.

Nico Kiese, Foto: Reiner Allgeier

gallerytalk.net: Du hast des Öfteren mit Frank Balve zusammengearbeitet. Was sind die Herausforderungen bei so einer Kollaboration?

Nico Kiese: Ich habe die letzten zwei Jahre neben meinen Einzelprojekten kontinuierlich mit Frank zusammengearbeitet. Die größte Herausforderung daran ist es, die kreative Energie zweier Köpfe zu kanalisieren. Es ist ein langer Prozess bis die eigenen Ideen der gemeinsamen Sache dienen. Dazu muss man sich selbst zurücknehmen und viel diskutieren um einen Konsens zu finden. Das beste Ergebnis erreicht man, wenn jeder bereit ist, sich zwar vollends einzubringen, aber trotzdem dem Projekt unterzuordnen.

gallerytalk.net: Was sehen wir von dir in Zukunft?

Nico Kiese: Das Schöne an der Kunst ist es ja, dass man machen kann was man will. Die letzten zwei Monate konnte ich zeitlich bedingt nicht produzieren. Aber ich werde schon wieder unzufrieden damit. Ich merke wie sich immer mehr Ideen anstauen, die unbedingt umgesetzt werden müssen. Momentan fühle ich mich nicht danach etwas Konkretes anzusprechen. Mir macht eher das formale Arbeiten am Material Spass. Demnächst steht vor allem die Diplomarbeit für die Akademie der bildenden Künste an. Ich weiß jetzt schon, dass die Herstellung ein langer Prozess wird. Bis ich von einem Thema oder Konzept überzeugt bin, muss ich es lange überdenken. Zu dieser psychischen kommt dann durch die handwerkliche Umsetzung noch eine körperliche Anstrengung hinzu. Aber das ist ja gerade das Extreme an Kunst. Künstler zu sein ist kein Job, den man nach Feierabend niederlegt.

Jens Semjan und Dr. Annette Doms in der Artgrant Galerie

gallerytalk.net: Hinter artgrant steht nicht nur ein Kunstpreis, sondern ebenso ein Netzwerk für bildende Künstler. Was war zuerst da?

Jens Semjan: Nach dem Erhalt des Diploms für mein Studium der bildenden Künste, bewarb ich mich selbst bei vielen Kunstpreisausschreibungen. Grundsätzlich muss man sich diesen Prozess ähnlich einer Jobbewerbung vorstellen. Mit der Besonderheit, dass ein Künstler sich nicht nur einmal alle paar Jahre sondern mindestens zwei Mal jährlich bewerben muss und das stets mit einem hohen künstlerischen wie administrativen und monetären Aufwand verbunden ist. Daher kam ich auf die Idee, einen eigenen Kunstpreis zu gründen, der auf die Bedürfnisse der Künstler zugeschnitten ist und flexibel und frei gestaltbar bleibt.

Dr. Annette Doms: Das Netzwerk ging dann mit der Auslobung einher und hat sich durch die Bewerber Stück für Stück aufgebaut. Mittlerweile haben wir 800 Bewerber/Jahr und machen uns Gedanken darüber mehrere Einzelpreise zu vergeben. Außerdem soll das zur Verfügung stehende Vergabegeld von aktuell 15.000 Euro auf 30.000 Euro aufgestockt werden.

gallerytalk.net: Was unterscheidet artgrant von den vielen anderen Kunstpreisen?

Jens Semjan und Dr. Annette Doms: Artgrant ist frei von typischen Ausschlusskriterien wie Altersgrenze, Medium oder der Professionalität der Künstler. Damit ist unser Kunstpreis nicht auf die Auslober sondern vielmehr auf die Teilnehmer zugeschnitten. Egal ob die Bewerber am Ende einen Preis erhalten oder nicht, sie bleiben zunächst auf der Website mit eigener Präsenz vertreten.

gallerytalk.net: Also seht ihr euch im Bereich des Onlinenetzwerkes nicht als Galeristen 2.0?

Jens Semjan und Dr. Annette Doms: Nein. Wie eben erläutert möchten wir eine Selektion vermeiden. Die direkte Kontaktaufnahme mit den Künstlern oder deren Galerien ist möglich und natürlich vermitteln wir die Künstler oder deren Galerien auch gerne innerhalb unserer eigenen Kunstprojekte.

gallerytalk.net: Hat euer Konzept nicht negative Auswirkungen auf die Qualität der vom Netzwerk vertretenen Kunst?

Jens Semjan und Dr. Annette Doms: Wir stellen mittlerweile eine Landkarte der deutschen Künstlerlandschaft dar, wodurch sicherlich ein enormes Qualitätsgefälle entsteht. Charakteristika wie Exklusivität und Elite bleiben dabei zwangsläufig auf der Strecke. Sie sind aber ein Kompromiss den wir dem demokratischen Weg schulden, den wir für unser Projekt eingeschlagen haben. Zum einen gleichen wir dieses Problem mit einer Bearbeitungsgebühr von 23 Euro aus damit unseriöse Kandidaten sich nicht bewerben. Zum anderen können wir mit den Preisvergaben unsere Qualitätsansprüche konkret aufzeigen.

gallerytalk.net: Unter welchen Kriterien findet sich die Jury zusammen?

Jens Semjan und Dr. Annette Doms: Zunächst einmal müssen wir betonen, dass sich für jede Preisverleihung immer wieder eine neue Fachjury bildet. Die fünf Juroren sollten optimalerweise aus einem Künstler, einem Fachjournalisten, einem Sammler oder Galeristen sowie einer Person aus dem öffentlichen Kunstleben, beispielsweise wie dieses Jahr Dieter Rehm als Direktor der Akademie der bildenden Künste München, bestehen. Außerdem sitzt noch einer von uns beiden in der Jury.

gallerytalk.net: Habt ihr bei der Auswahl von Anfang an einen Favoriten im Blick oder seid ihr am Ende sehr überrascht von dem Ergebnis der Juryauswahl?

Jens Semjan und Dr. Annette Doms: Die Jury plant immer einen kompletten Tag ein, an dem lange und kontrovers diskutiert wird, an wen der Preis vergeben wird. Dennoch muss eine Vorauswahl von uns beiden getroffen werden, um die Gesamtmenge an Bewerbungen auf einen Kreis von realistischen Preisträgern zu reduzieren. Dabei fasst unser geschulter Blick natürlicherweise diverse Kandidaten ins Auge. Im Endeffekt werden die Preisträger jedoch durch die Jury bestimmt. Dadurch geht der Preis auch mal an Künstler, von denen man es persönlich gar nicht erwartet hat. Überraschend ist auch immer wieder der Einfluss einzelner Juroren. Manchmal plädiert ein Juror derart leidenschaftlich und überzeugend für einen Künstler, dass dadurch weitere Juroren überzeugt werden. Somit kann das Ruder auch mal komplett umgerissen werden.

gallerytalk.net: Was war für euch persönlich die größte Herausforderung bei der Auswahl der Preisträger?

Jens Semjan: und Dr. Annette Doms: Es gibt es einen Aspekt, der uns jedes Mal Kopfzerbrechen bereitet. Weil unsere Bewerber so eindrucksvoll und vielseitig sind, stehen wir jedes Mal vor der Wahl, ob wir nun dem Maler, Bildhauer, Konzept-, Performance-, Videokünstler oder einem der vielen anderen Vertreter unterschiedlicher Medien den Preis verleihen. Doch ist es nun mal schwierig Äpfel und Tomaten zu vergleichen. Entscheidendes Kriterium für die Förderungen ist neben der formal künstlerischen Qualität, deswegen immer auch die Auseinandersetzung mit einer überzeugenden Gesamtidee. Die Preisträger werden bewusst im Hinblick auf ihr Alter, ihres bisherigen künstlerischen Werdeganges und ihre zukunftsweisenden Beiträge zur zeitgenössischen Kunst ausgewählt.

gallerytalk.net: In welcher Hinsicht repräsentieren die Preisträger die Ideale für die der artgrant Kunstpreis steht?

Jens Semjan und Annette Doms: Sie spiegeln den demokratischen Charakter des Artgrant Kunstpreises wieder. Dieses Jahr haben wir zum Beispiel endlich einen Performancekünstler unter den Preisträgern. Und die gekürten Künstler weisen in jedem Fall eine freie Arbeitsweise auf, die sich nicht unbedingt in einem konkreten Medium beschränken muss. Es ist eine Sammlung kontroverser, inhaltlich starker Positionen geworden, die aus demokratischen wie künstlerisch qualitativen Gesichtspunkten gut zu uns passt.

Spencer Tunicks Installation vor der Bayerischen Staatsoper in München © Wilfried Hösl

gallerytalk.net: Wie seid ihr beiden überhaupt auf die Idee gekommen an dem Projekt teilzunehmen?

B.L. und C.W.: Um ehrlich zu sein sind wir tatsächlich durch die Facebookseite von gallerytalk.net auf die Aktion aufmerksam geworden. Daraufhin haben wir beide uns spontan entschieden mitzumachen.

gallerytalk.net: Kostet solch eine Entscheidung nicht viel Überwindung?

B.L. und C.W.: Anfänglich hatten wir natürlich unsere Bedenken. Vor allem ungefähr eine Stunde vorher wurden wir relativ nervös. Aber aus der Tatsache heraus, dass wir zusammen dort hin gegangen sind, fiel es uns einfacher. Wir konnten uns immer wieder gegenseitig motivieren und sagten uns, dass wir nicht nur für uns selbst, sondern ebenso für die Kunst teilnehmen wollten.

gallerytalk.net: Hattet ihr nicht Bedenken, dass ihr irgendjemanden trefft den ihr kennt?

B.L. und C.W.: Auf jeden Fall fragten wir uns das. Tatsächlich haben wir auch jemanden getroffen, den wir aus unserem Klausurenkurs vom Sehen kennen.

gallerytalk.net: Wie muss man es sich vorstellen nackt zwischen 1700 anderen nackten Menschen zu sein? Schaltet man seine sexuellen Empfindungen dabei komplett aus?

B.L. und C.W.: Jeder Mensch besitzt Schamgefühl, das ist völlig normal. Es ist aber zu vergleichen mit einer öffentlichen Sauna. Alle sind nackt und im Endeffekt findet man dadurch die Nacktheit der anderen nicht mehr so schlimm. Diese 1700 Leute bilden einen Querschnitt durch die Gesellschaft. Zwischen alt und jung, dick und dünn, attraktiv und befremdlich. Das war auch mit einer der Faktoren, der die Stimmung entkrampft hat. Hätten wir uns ausschließlich zwischen durchtrainierten Astralkörpern wiedergefunden, wären wir sicherlich nicht so entspannt an die Sache herangegangen. Es wurde auch als Konzept des Künstlers wahrgenommen, jedem Körper etwas Schönes abzugewinnen. Die fülligen Leiber, angemalt mit goldener Farbe hatten beispielsweise etwas Barockes an sich. Sexuelle Empfindungen haben wir beide nicht verspürt. Die Farbe, mit der die Körper von Kopf bis Fuß angemalt waren, abstrahierte das Ganze auf sonderliche Art. Mit roter Farbe bemalt ähnelten wir vielmehr kleinen Höllengeschöpfen.

gallerytalk.net: Wie wurde die Installation realisiert?

B.L. und C.W.: Alle Teilnehmer mussten pünktlich um 3 Uhr erscheinen, um sich zu registrieren. Die Schlange reichte vom Eingang Marstallplatz bis zur Maximiliansstraße. Bis wir registriert wurden verging eine halbe Stunde. Das Ausziehen und anmalen mit der roten Farbe hat eine weitere Stunde gedauert. Gegen 4 Uhr sind wir mit allen anderen roten Menschen durch den Hofgarten gelaufen. Zu diesem Zeitpunkt dämmerte es bereits und es entstand eine eigentümliche Stimmung. Vor allem, weil die „goldene Gruppe“ noch angemalt werden musste. So standen deren Mitglieder noch angezogen am Rand des Hofgartens haben uns nachgeschaut und geklatscht. Das war ein befremdliches Gefühl. Von vier bis sechs Uhr machten wir die Fotos auf der Ludwigstraße und dem Odeonsplatz, von halb sieben bis acht posierten wir vor der Oper. Es herrschte trotz der Kälte eine gute und auch witzige Atmosphäre. Unter den Mitwirkenden gab es viele Raucher, die Passanten um Zigaretten fragten. Da diese uns bereitwillig ein Päckchen überließen, kam es, dass ein Haufen rot angemalter Menschen rauchend an der Oper stand. Als die Installation vorbei war sind wir beide dann noch nackt die Maximiliansstraße runter gelaufen, neben uns fuhr bereits die erste Tram vorbei. Schließlich haben wir uns wegen der Kälte beeilt uns anzuziehen und auf den Heimweg zu machen, auf dem uns immer wieder vereinzelt rote Männchen begegneten.

gallerytalk.net: Wie würdet ihr die Arbeitsweise Spencer Tunicks beschreiben?

B.L. und C.W.: Ziemlich herrisch wäre jetzt die spontane Antwort. Aber nicht unbedingt negativ gemeint. Der Künstler stand abwechselnd auf einer Leiter und einer hydraulischen Hebebühne, gab von dort aus seine Anweisungen und fotografierte. Irritierend war zum einen, dass viele Leute kein Englisch verstanden und somit Tunicks Dolmetscher alle Instruktionen übersetzen musste. Es hieß, wir dürften weder lachen, noch reden und müssten stets gerade aus schauen. In einer derartigen Menschenmasse, die aufgrund der ausgeschütteten Endorphine so gut gelaunt war, dass sich immer wieder jemand gerade meinte er müsse lustig sein, kam man sich vor wie in einer Schulklasse. Diese musste koordiniert werden und dazu spielte Spencer Tunick nunmal die strenge Klassenlehrerin. Aus seiner Erfahrung heraus wusste er sicherlich, wie er mit der Situation am besten umgehen musste. Doch seine Anweisungen waren teilweise schon sehr schroff. Nach getaner Arbeit hat man ihm jedoch angemerkt, wie sehr er sich über die Realisation gefreut hat.

Spencer Tunicks Installation vor der Bayerischen Staatsoper in München © Wilfried Hösl

gallerytalk.net: Was war für euch der beste Moment des Morgens?

B.L. und C.W.: Vor der Oper lagen Steine, die das Laufen extrem erschwerten. Ein alter Mann kam nicht hinüber und knickte um. Daraufhin ergriffen zwei Männer die Initiative und trugen ihn buchstäblich auf das Foto. Dieser Augenblick beschreibt die Stimmung, die bei der Installation herrschte eiegntlich sehr anschaulich und war wahrscheinlich auch für Spencer Tunick der beste Moment.

gallerytalk.net: Würdet ihr der Aussage „Nackt sind alle gleich.“ zustimmen?

B.L. und C.W.: Allein schon aufgrund der Szenerie und der Umgebung entstand ein Gemeinschaftsgefühl. Unserer Meinung nach ist das Entstehen dieses Gefühls und dieser liebevollen, entspannten und friedlichen Stimmung, wie es Tunick in einem Interview ausdrückte, Teil seiner Idee. Alle Teilnehmer sind aus dem gleichen Grund gekommen und wenn man erst einmal nackt ist und sein anfängliches Schamgefühl überwunden hat, kommt man sofort in Gespräch. Im Grunde überspielt man mit dieser Offenheit auch seinen Scham.

gallerytalk.net: Empfindet ihr Stolz?

B.L. und C.W.: Natürlich freut man sich dabei gewesen zu sein. Die Pressefotos, die bereits in den Zeitungen abgedruckt wurden, sehen sehr interessant aus und wir sind gespannt auf das künstlerische Ergebnis. Wer weiß, vielleicht werden unsere Bilder ja später einmal von einem Kunsthistoriker analysiert oder wir gehen mit unseren Kindern ins Moma und können ihnen sagen, dass ihr Vater an der Wand hängt.

Das Gespräch führte Benita Böhm.

Quelle Einleitung: Pressetext Bayerische Staatsoper

B.v.d.H.: Persönlich gesehen ist es mir unheimlich schwer gefallen in München eine passende Wohnung zu finden. Ich habe bestimmt ein halbes Jahr aus dem Koffer gelebt und immer wo anders zur Untermiete gewohnt.

Aus professioneller Sicht muss ich sagen, dass die Arbeit im Kunstverein meiner Arbeit in London und Amsterdam sehr ähnelt. Allerdings ist die architektonische Situation hier eine Besondere. Der Kunstverein hat sehr große und charakterstarke Räume. Zwar habe ich auch zuvor Ausstellungen in dieser Dimension kuratiert, die Herausforderung besteht jedoch darin mit den limitierten Mitteln, die uns als Kunstverein zur Verfügung stehen, unser Konzept zu realisieren. Doch ich mache das mit großer Begeisterung für das Gebäude, einem ambitionierten guten Team und tollen Mitgliedern.

Bart van der Heide vor der Liste der Fördermitglieder des Kunstvereins München

gallerytalk.net: In vielen Interviews anlässlich Ihres „Amtsantritts“ wurden Sie gefragt, was Sie mit der Institution vorhaben. Rückblickend interessiert mich, ob die Ausstellungen und Projekte so realisiert werden konnten wie Sie es sich vorgestellt und auch vorgenommen haben und welche Ideen bisher auf der Strecke bleiben mussten.

B.v.d.H.: Ich muss sagen, dass ich wirklich alles umgesetzt habe, was ich mir vorgenommen habe. Angefangen bei den Ausstellungen, für die ich viele internationale Künstler gewinnen konnte, bis hin zu anderen großen Projekten. Mein Programm in den letzten zwei Jahren war genauso wie ich es wollte. Als ich an den Kunstverein kam, war es jedoch noch nicht abschließend formuliert, es konkretisierte sich erst im Prozess. Diese Eigenart frustrierte teilweise meine Interviewpartner, weil sie erwartet hatten, dass ich eine klare Position beziehe. Ich finde es macht aber gerade den Wert eines Kunstvereines aus, dass man in dieser Hinsicht einen freien Entscheidungsspielraum hat. Die Unabhängigkeit der Kunstvereine ist ein wichtiges Modell.

gallerytalk.net: Wenn ich Sie heute erneut zu Ihrem Programm befrage, wie würden Sie es beschreiben und wie hat es sich entwickelt?

B.v.d.H.: Mein Programm drückt vielmehr eine Position aus, bei der es um die Haltung des Künstlers sowie des Betrachters geht. Es untersucht dabei Themen wie Verletzlichkeit und Bloßstellung aber auch was Offenheit gegenüber Kunst bedeutet. Mir ist es wichtig, dass sich diese Thematiken in unserer Arbeit niederschlagen und ich denke es ist nun nach zwei Jahren erkennbar, dass alle Ausstellungen eine gewisse Sensibilität vorweisen. Viele der Arbeiten waren sehr emotional, so wie beispielsweise bei Cathy Wilkes. Oder Willem de Rooij stellte eine völlig neue und unbesprochene Werkgruppe aus, die bis dahin noch nicht in einer Institution zu sehen gewesen war. Damit geben die Künstler viel von sich selbst preis. Wir fordern sie dazu heraus und geben ihnen gleichzeitig die Sicherheit das zu tun.

Den Besuchern möchte ich die Kunst pur vermitteln. Es gibt nicht viel Text, der die Arbeiten erklärt. Außerdem ist mir der visuelle Aspekt sehr wichtig. Jede Ausstellung hat den Anspruch den Betrachter durch die visuelle Erfahrung einzunehmen. Das soll die Leute dazu animieren, ihr eigenes Urteil zu fällen.

Ein besonderes Augenmerk habe ich außerdem auf die Hierarchie der Räume gelegt. Sie sollte immer wieder neu interpretiert und ausgelotet werden, sodass sie in aufeinanderfolgenden Ausstellungen auch komplett auf den Kopf gestellt werden konnte. Wenn ich einen Künstler einlade, weiß ich im Vorhinein eigentlich nicht, wie die Ausstellung am Ende aussehen wird. Das hat einen gewissen Charme, weil die Künstler mit der Raumbezogenheit zur Stadt München, zur Geschichte der Räumlichkeiten sowie zum Mitgliederverein künstlerisch umgehen. Dadurch wird jede Ausstellung einzigartig und würde auch nirgendwo anders funktionieren.

Bart van der Heide im Gespräch mit der Künstlerin Trisha Baga während des Ausstellungsaufbaus

gallerytalk.net: Was war Ihr größtes Projekt?

B.v.d.H.: Das war unsere Sommerakademie. Es war unglaublich zu sehen, dass täglich 80-200 Menschen – aus dem Ausland genauso wie aus München von der Akademie der bildenden Künste – in den Kunstverein kamen um daran teilzunehmen. Inspiriert wurden wir von einer alten Ausstellung im Kunstverein bei der einige Studenten die Proteste von 1968 künstlerisch gestalteten. Sie hatte damals aus politischen Gründen sogar die Folge, dass der Kunstverein schließen musste. Das Thema der Sommerakademie war Selbstorganisation. Wir luden fünf bereits bestehende Gruppen, die sich zum Beispiel mit Architektur, Feminismus oder Performance auseinandersetzen ein. In unserem edukativen Modell mussten sie sich erstmals gegenüber ihrem Publikum, den anderen Teilnehmern, öffnen und ihre internen Organisationsstrukturen darlegen.

Unser Team nahm in dem Projekt die völlig neue, ungewohnte und vor allem unterstützende Aufgabe der Gastgeber wahr. Die 80 Teilnehmer, die sich eingeschrieben hatten wurden in einem Haus untergebracht, das nach Ablauf des Projekts abgerissen und uns bis dahin zur Verfügung gestellt wurde. Tagtäglich wurden die Räume des Kunstvereins dann von diesen vielen Menschen regelrecht okkupiert, die versorgt werden mussten. Plötzlich waren wir nicht mehr Kuratoren, sondern Koch oder Reinigungsteam. Bewusst veranstalteten wir die Akademie im Sommer. Dann haben wir viel weniger Besucher, sodass wir für die ja sehr internen Bereiche Ausbildung und Selbstorganisation ein intimeres Arbeitsumfeld schaffen konnten.

Bild von der Sommerakademie: Grand Openings: Gastexperte: Kerstin Brätsch, Foto: Ulrich Gebert, Quelle: http://www.kunstverein-muenchen.de/de/group-affinity

gallerytalk.net: Ein Kunstverein hat zum einen die Aufgabe auch unpopuläre Kunst auszustellen die dem Durchschnittsbesucher nicht immer sofort zugänglich ist. Auf der anderen Seite sollte die Kunst bei den Besuchern Interesse wecken und auch von Ihnen verstanden werden. Wie schaffen Sie es als Direktor diesen Spagat zu verwirklichen?

B.v.d.H.: München hat eine reiche Kunstlandschaft mit vielen Sammlungen und Kunstinstitutionen, welche die Kunst gut und populär vermitteln. Gerade deshalb muss die Stadt auch Alternativen produzieren. Der Kunstverein wurde 1823 als solch eine unabhängige Alternative zum staatlichen und kirchlichen Angebot gegründet. Aus meiner Sicht ist er das bis heute geblieben.

Ich mache die Ausstellung vor allem für unsere Mitglieder. Im Großen und Ganzen habe ich unsere Mitglieder als Personen erlebt, die über die aktuelle Kunstlandschaft hier in München sehr gut informiert sind. Um das zu sehen was sie kennen gehen sie in die anderen großen Institutionen wie das Haus der Kunst oder die Pinakothek. Im Kunstverein aber wollen sie überrascht werden. Diese beiden Pole gehören in München traditionell zusammen. Für die Auswahl der ausstellenden Künstler ist das sehr wichtig. Und auch der Vorstand erwartet, dass ich internationale neue Positionen zeige. Mein Ziel ist es, dass die Mitglieder stolz sind, auf die Bespielung des von ihnen finanzierten Kunstvereins. Der Raum soll deshalb Protagonist in der Arbeit des Künstlers werden, damit die Besucher sehen können, wie er sich transformiert.

gallerytalk.net: Im Gegensatz zu vielen anderen bayerischen Kunstvereinen schafft es der Münchner Kunstverein viele junge Leute anzusprechen. Was ist Ihr Geheimnis?

B.v.d.H.: Ich denke das ist abhängig vom Direktor und vom Team. Konkret kann ich dafür aber drei Gründe nennen. Erstens sind wir offen für Ideen und Kooperationen. Unsere Eingangshalle nutzen wir zum Beispiel für Events von Studenten, Buchpräsentationen oder für Liveacts bei den Vernissagen – Gastfreundschaft ist uns sehr wichtig. Zum anderen bespielen wir seit kurzem unser „Schaufenster“ im Hofgarten. Damit wollen wir uns noch mehr in das urbane Kreativnetz der Stadt einbringen und unter dem Motto „local contemporary“ auf multidisziplinäre Weise interessante Projekte präsentieren. Momentan ist die Künstlerin Heike Jobst zu sehen, davor zeigten wir das Produktdesign „my bauhaus is better than yours“. Ziel ist es junge Kreative in München sichtbar zu machen. Drittens finden es junge Leute interessant, dass der Vorstand verstärkt ausländische Direktoren an den Münchner Kunstverein holt. Das ist ein wichtiger Aspekt, denn die junge Generation ist neugierig und kennt sich auch in der internationalen Kunstszene aus.

Trisha Baga bei den Vorbereitungen für ihre Ausstellung im Kunstverein

gallerytalk.net: Am 27. April eröffnete die neue Ausstellung „World Peace“ von Trisha Baga. Was erwartet den Besucher und worauf haben Sie sich selbst am meisten gefreut?

B.v.d.H.: Trisha Baga ist eine New Yorker Performance- und Videokünstlerin und momentan der Shooting Star der Szene. Es wird ihre erste institutionelle Ausstellung sein. Interessant ist diese, weil die Künstlerin eine mediale Landschaft kreiert hat. Sieht man die Installation, wenn das Licht an ist, dann fühlt man sich wie in einer Müllhalde, weil überall Fundstücke scheinbar wahllos herumliegen. Wenn dann aber die Videos auf die Gegenstände projiziert werden hat das einen unglaublichen Effekt. Der Raum wird zu einer Landschaft von Bildern und Reflexionen. Das entstandene Gesamtbild untersucht und destabilisiert die Strukturen hinter der Produktion moderner Medien. Vor allem die Platzierung der Objekte zeigt, dass die Gegenstände eine konkrete Rolle dabei übernehmen und ganz gezielt Elemente der Projektionen aufnehmen sollen.

Bezüglich der Ausstellung hatte ich ja bereits erwähnt, dass ich bei Organisationsbeginn oft nicht genau weiß was mich schlussendlich erwartet. Trisha Baga verbrachte Tag und Nacht in den Räumen. Deshalb war ich besonders gespannt auf das Endprodukt: Auf das Bild, dass sie in den Raum gemalt hat.

gallerytalk.net: Danke für Ihre Zeit und den Einblick in Ihre Arbeit. Das Gespräch führte Benita Böhm.

Bart van der Heide und Trisha Baga

Dritter Stock

Als ich dem Pilotprojekt letzte Woche im Gewerbegebiet Kistlerhofstraße meinen ersten Besuch abstattete, war ich zunächst verwirrt. Um in das dritte Stockwerk zu gelangen musste ich mich durch ein verhängtes und vollgestelltes Treppenhaus kämpfen, vorbei an Handwerkern, mit denen ich mich nur gestikulierend verständigen konnte. Ich hätte wohl besser den Aufzug genommen… Endlich oben angekommen: erneute Irritation. Nur der Eingangsbereich sah mir mit mich willkommen heißenden Kunstflyern entgegen. Um mich ins Innere zu begeben wurde ich erneut mit von der Decke an Ketten herunterhängenden Arbeitsvliesen konfrontiert. Wie ich schnell erkannte, waren diese nun aber Teile der Ausstellung Juan Duques. Ganz bewusst wählte er die Materialien der durch die Renovierungsarbeiten geprägten Umgebung, um sie in einen erstaunlich ästhetischen Kontext zu rücken.

Drei Säulen

Die kuratorische Leistung, die mit der Organisation der vier bis fünf Ausstellungen pro Jahr verbunden ist, stellt nur eine der drei Säulen dar, auf die sich die PLATFORM3 stützt.

Neben dem Ausstellungsraum befinden sich auf dem Stockwerk außerdem 21 Ateliers, die von professionellen bildenden Künstlern angemietet werden können. Außerdem gibt ein zusätzliches Gastatelier, das einem internationalem für einen bestimmten Zeitraum zur Verfügung gestellt wird. Vertreten sind Künstler wie Nana Dix, Nicola Hanke, über die auf gallerytalk.net bereits eine Review erschien,  Stephan Wischnewski oder Annegret Bleisteiner.

Außerdem arbeitet das Fotografenkollektiv HB Lankowitz in einem der Ateliers.

Ich hatte das Glück Brigitta Reuter zu treffen, die mich in ihre Welt und ihre Arbeiten eintauchen ließ. In der hinteren linken Ecke staunte ich über ihren, aus persönlichen Fundstücken bestehenden “Altar”. Bei der Betrachtung der Fotografien konnte ich mir lebhaft vorstellen, von wo sie diese ganzen Utensilien herbeitrug.

Eine mit “Transitbehausungen” betitelte Serie zeigt beispielsweise Strandhäuser, die fern der Zivilisation von Einsiedlern bewohnt werden. Diese entdeckt das Kollektiv auf weltweiten Reisen, auf denen auch Serien wie “Lampedusa” und “Behind the Sun” entstanden. Die Fotografien haben oft etwas Düsteres an sich, können aber auch sehr humorvoll sein. Außerdem beweisen vor allem die Konzepte die hinter den Arbeiten stehen, emotionale Tiefe. So zum Beispiel die “Portraitierung” von Gehwägelchen, die alte Menschen nach ihrem Ableben zurückließen.

Auch die gelernte Korbflechterin Susanne Thiemann gewährte uns einen Blick hinter die Tür ihres Ateliers, dass sie sich mit der Malerin Rita de Muynck teilt. Sie flechtet aus dünnen Plastikschnuren organische Skulpturen. Damit gibt sie in diesem traditionellen Handwerk den Zeitgeist zurück. Die Objekte wirken vollkommen und eigenartigerweise leicht wie massiv. Manchmal seien sie Thiemann zu streng und so zerschneidet sie vorhandene Skulpturen wieder um neue Teile hinzuzufügen.

Bildung ist das dritte große Bestreben, das sich die PLATFORM3 auf die Fahne geschrieben hat. So bietet das Büro eine Chance für Kulturschaffende, sich im Zuge eines Volontariats mit in die Organisation und Betreuung einzubringen und damit wichtige Praxiserfahrung zu sammeln. Die Volontärin Emily Utzerath war es auch, die gallerytalk.net zu einer Besichtigung eingeladen hatte. Gemeinsam mit Carina Essl und Anabel Roque Rodriguez hat sie mir ihre Arbeit und die Institution bei einem Kaffee näher gebracht. Denn Ziel soll auch sein, einen Ort zu bieten, in dem man sich zusammentun kann um anderen Menschen Kunst näher zu bringen. Dies entspricht auch unserer eigenen Philosophie. Deshalb bin ich froh, endlich in die Kistlerhofstr. 70, die ja doch fern ab von Kunstareal und Innenstadt liegt, gefahren zu sein. Doch die Herzlichkeit und Offenheit machen den langen Weg mehr als wett.

von links: Emily Utzerath, Anabel Roque Rodriguez und Carina Essl

Dreijähriges Jubiläum

Und es wird bestimmt nicht mein letzte Besuch gewesen sein. Gerade die Tatsache, dass der Ausstellungsraum anlässlich des dreijährigen Jubiläums der PLATFORM3 von den hausinternen Künstlern bespielt wird, ist es wert, Ende März wieder hier vorbeizuschauen. Franck Leibovici stellte den 18 teilnehmenden Künstlern dafür die Frage wie sich das Ökosystem eines Kunstwerks entstehe. Die Antwort erarbeitete man in zwei intensiven gemeinsamen Workshops. Ergebnis sei den Betrachtern einen neuen Zugang zum Künstler zu vermitteln, der nicht nur vom fertigen Objekt ausgeht. Das Konzept, den Besucher am Schaffensprozess teilhaben zu lassen, hat mir bei der Ausstellung “Skulpturales Handeln” im Haus der Kunst (Review vom 17.12.2011) bereits gut gefallen und ich bin gespannt wie es in der PLATFORM3 umgesetzt wird. Die Jubiläumsausstellung wird am 23.03.2012 um 19h in Anwesenheit aller Künstler eröffnet und dauert bis zum 28.04.2012 (Öffnungszeiten: Mo-Sa 11-19h, Mi 12-20h). Außerdem besteht am 24. und 25. März unter dem Motto “Offene Ateliers” die Möglichkeit, die Künstler persönlich in ihrem Arbeitsumfeld kennenzulernen.