Flyer zur Ausstellung; Quelle: Niklas Schechinger

Was springt einem zuerst ins Auge: Rot, Gelb, Grün. Diese drei Farben, gepaart mit schwarzen Elementen, bilden die gesamte Farbpalette der Werke, die bei Niklas Schechinger zu sehen sind. Als Betrachter wird man direkt dahin verfrachtet, wo Hank Schmidt in der Beek einen haben will: zum Reggae. Warum?

Hank Schmidt in der Beek, untitled (CVzNr. 496, Doof/Edvard Munch) collage, 24 cm x 18 cm 2012; Quelle: Niklas Schechinger

Eins nach dem anderen. Hank Schmidt in der Beek beschäftigt sich schon seit längerem mit den Werken anderer und vor allem bedeutender Künstler vergangener Jahre. In seiner Einzelausstellung im Kunstverein in Hamburg im Jahre 2010 setzt er sich in Collagen mit altehrwürdigen Meistern wie Marcel Duchamp oder Edvard Munch (s.o.) auseinander, versieht diese jedoch mit Abbildungen von Dick und Doof, Gilbert und George, Andy Warhol oder Woody Allen. Diese sind gepaart mit derben bayerischen Gedichten und anderen Texten (Er ist gebürtiger Münchner). Die Ergänzungen zu den Werken verunglimpfen oder verballhornen das zugrundeliegende Werk jedoch keineswegs. Der Künstler gibt den Werken damit vielmehr eine neue vielleicht sogar frische und humoristische Ausrichtung und spitzt sie in manchen Fällen weiter zu. Auffällig ist dabei vor allem, dass durch die immer wiederkehrenden hinzugefügten Figuren und Themen die zunächst zusammenhanglos aus Kunstkatalogen entnommenen Werke zu einer visuellen Serie verknüpft werden. Somit ist das Zitieren und das Aufnehmen von Themen schon da gewesener Bildwelten fester Bestandteil des Werks von Hank Schmidt in der Beek.

Teilansicht der Ausstellung, Quelle: Niklas Schechinger

Einen sehr ähnlichen Prozess findet Hank Schmidt in der Beek im Reggae. Wie kaum eine andere Musikrichtung bedient sich Reggae anderer Melodien, wandelt diese ab und macht sie sich doch letztlich durch ihre eigenen Rhythmen zu eigen. Künstler und Anhänger des Reggae sehen dies gerade nicht als Plagiieren. Oft enthalten alte Reggaeplatten auf der Rückseite sogar eine Dub-Version der Songs, um anderen Künstlern die Weiterverwendung zu ermöglichen. Indem er auch in dieser Ausstellung bestehende Werke aufgreift führt Hank Schmidt in der Beek so den Prozess fort, den er bereits begonnen hat. Jedoch fügt er nun eine weitere Ebene hinzu. Er beschränkt sich also nicht mehr lediglich auf das bloße Hinzufügen fremder Objekte, sondern enthebt die Werke ihrer ursprünglichen Farbwahl und gibt ihnen eine neue Farbigkeit. Ähnlich wie im Reggae wird somit das Ursprüngliche aufgebrochen und dem neu entstandenen Werk eine eigene Prägung verliehen. Die existierende Kunst dient als Fundus um Neues zu schaffen.

Teilansicht der Ausstellung, zentral: Walk and Talk Like A Chicken And A Bear, Acryl auf Leinwand, 165cm x 165cm, 2013; Quelle: Niklas Schechinger

Damit werden die verschiedenen Werke, die in der Ausstellung aufgegriffen wurden, trotz ihrer offensichtlich unterschiedlichen Herkunft zu einer Einheit, die Gleichfarbigkeit verleiht ihnen den Anschein einer Gruppe. Immer wieder tauchen dabei die selben „Kommentatoren“ in Form naiver, ja tumber, Comicfiguren wie dem kleinen Maulwurf oder Häschen mit Gießkannen auf. Auch diese in Rot-Gelb-Grün gehaltenen Figuren verleihen den Werken insgesamt eine Art System. Nähert man sich den Bildern jedoch inhaltlich, wird deutlich, dass die Zitate unterschiedlicher nicht sein könnten.

Henri Matisse, L'escargot, 1953 und Alma Thomas, Watusi, 1963; Quelle: http://i35.tinypic.com/2u76ptd.jpg

Besonders das großformatige Werk Walk and Talk Like A Chicken And A Bear (s.o. das zentrale Gemälde) zeigt die Herangehensweise Hank Schmidt in der Beeks deutlich. Das Werk selbst lehnt sich an das Werk Watusi der afro-amerikanischen Künstlerin Alma Thomas an, welche wiederum die Scherenschnitte des Werkes L’escargot von Henri Matisse in einer anderen Farbgebung aufgenommen hat (s.o.). Die Anlehnung an den Schöpfungsprozess des Reggae wird klar: Die Formsprache von Henri Matisse lebt in diesen Werken fort, sowohl Alma Thomas als auch Hank Schmidt in der Beek bedienen sich der Formen, verleihen diesen jedoch ihre eigene Interpretation und Farbigkeit, ihren eigenen Rhythmus.

Hank Schmidt in der Beek, Ein Typ Wie Ich/Ein Girl Wie Du, Acryl auf Leinwand, 150cm x 100cm + Fahnen, 2013

 Zugespitzt ist dies auch im Gemälde Ein Typ Wie Ich/Ein Girl Wie Duzu erkennen, welches eine gemalte Collage darstellt. So ist zentral eine Gestalt zu sehen, die den Oberkörper und die Beine des „Peanuts“ Charlie Brown trägt, deren vermeintlicher Kopf aber dem Werk einer Gouache aus der Serie “Konzentration der Farbe und Formen” von Alexander Rodtschenko (von 1918) entnommen wurde. Eingerahmt wird dies von zwei Flaggen, die dem Gemälde eine sakrale Aura verleihen und einem Altar gleichen. Man ist unwillkürlich an die Rastafarikultur und sogar an Kirchenkunst erinnert. Eine Vielzahl an Assoziationen drängen sich somit dem Betrachten auf, die ein rot-grün-gelbes Eigenleben entwickeln.

Ähnliches geschieht mit einem Wollknäuel von Roy Lichtenstein (Crown! Crown! Crown! Acryl auf Leinwand, 138 cm x 150 cm, 2013). Mit Nicole, welcher die Ausstellung durch ihren Hit beim Eurovision-Contest 1982 ihren Namen zu verdanken hat, und Paul und Linda McCartney dringen auch Musiker in die Bilderwelt mit ein. Die filigrane Holzskulptur Reggae-Mate, die in Zusammenarbeit mit der Künstlerinnen Lisa Herfeldt, Sarah Bohn und Anne-Katrin Ahrens entstanden ist, fügt der Ausstellung eine plastische Komponente hinzu.

Letztlich stellt sich nach diesem wilden Rundumschlag durch alle möglichen Kunstrichtungen die Frage: Passiert hier etwas Neues oder wird nur Altes wiederholt? Wo ist der Gewinn, macht der Künstler hier Boden gut? Die Antwort: Ja, es passiert etwas Neues. Hank Schmidt in der Beek gelingt – zwar auch in Fortsetzung seines bisherigen Werks – die Schaffung einer weiteren neuen Facette. Hier wird nichts plagiiert oder wiederholt. In diesem Kontext, in dieser konsequenten Ausprägung ist eine Gruppe an Werken entstanden, die ihre eigene von den Bildinhalten losgelöste Aussage enthält. Hank Schmidt in der Beek greift Themen, ähnlich wie in der Musik, auf und ordnet sie neu an, setzt andere Schwerpunkte und schafft damit eine Art stimmiges Album. Ob es sich dabei um eine Spielart der Appropriation-Art handelt, sei dahin gestellt, wo doch der Künstler selbst diesen Begriff als überflüssig erachtet. Abgesehen von solch statischen Einordnungen gewinnt man viel eher einen Eindruck davon, was in der Malerei doch alles möglich ist. So wird man durch die Virtuosität des Künstlers zu der Frage gedrängt, warum nicht in der oft eitlen Malerei das möglich sein sollte, was in der Musik bereits Normalität ist?

Foto von Hank Schmidt in der Beek, In den Zillertaler Alpen photo of plain air painting by Fabian Schubert, 50 cm x 40 cm, 2009; Quelle: Niklas Schechinger

Die Ausstellung erhält damit einen durchaus ambivalenten Charakter, eine tiefere Ebene, losgelöst vom bloßen Wiederholen und Zitieren. Die Werke sind eben nicht nur eine Laune eines Künstlers mal eben alles Rot-Gelb-Grün anzupinseln. Die scheinbare wahllose Mischung an Werken löst sich mit der näheren Beschäftigung in eine ausbalancierte Gruppe auf und erlaubt dem Betrachter somit, die Ausstellung gleich zwei Mal zu erleben. Der erste Eindruck und der mit dem näheren Hinsehen einhergehende Einblick könnten kaum unterschiedlicher aber auch kaum lohnender sein. Hank Schmidt in der Beek hebt mit diesen Werken die Spannung darauf, was wir in Zukunft von ihm zu sehen bekommen werden!

WANN: bis zum 8.Juni 2013; Öffnungszeiten: Mi. – Fr. 12-19 Uhr, Sa. 12-17 Uhr.

WO: Niklas Schechinger Fine Art, Trommelstraße 7, 20359 Hamburg

Brömmel wurde 1968 geboren. Nach einer Ausbildung zum Fotografen fand er über Umwege zur künstlerischen Fotografie, bevor er in der Klasse von Prof. Dr. Vladimir Spacek 2006 seinen Akademiebrief an der Akademie für Bildende Künste in Mainz erhielt. Zu den ausgestellten Serien gehören Auszüge der „Kopf-über-Serie“, die Brömmels künstlerischen Durchbruch markiert, ebenso, wie die „Antennen“ als eines der ersten Projekte des Künstlers. Daneben finden sich als jüngste Werkgruppe noch die „Schwimmenden Märkte“ und die viel beachtete „Villa Tugenthat“. Der Reihe nach.

Dirk Brömmel, Antenne, 2001, 100 x 100 cm, Diasec/Aludibond, Quelle: Galerie Hengevos-Dürkop

Die Antennen sind das am längsten andauernde Projekt Brömmels. Das Motiv beschränkt sich im Regelfall auf die funktionale Metall-Konstruktion. Die erhält in seiner Arbeit skulpturalen Charakter. Perspektivisch bewegt sich der Fotograf mit den Objekten auf einer Höhe, sodass der Blick auf das Konstrukt eine ungewohnte Nähe bekommt. Wahrscheinlich hat noch nie jemand der Antennenkultur derart viel Aufmerksamkeit geschenkt. Möglicherweise handelt es sich um eins der wenigen Objekte, an dem jeglicher ästhetischer Einfluss vorbeigegangen ist. Im Vordergrund steht ausschließlich dessen Zweckmäßigkeit. Bewusst verzichtet Brömmel auf Störfeuer durch natürliche Umwelteinflüsse. Damit genügt ein Pflänzchen am Fuße der Antenne, um gedankliche Assoziationen auszulösen, die irgendwo zwischen Natur und von Menschenhand geschaffener Industrie liegen. Ähnliche assoziativ-intuitive Impulse verarbeitet Brömmel in Linienführungen, die wie Leitungen oder in der Zuordnung zu Antennen wie Kommunikationsverbindungen wirken. Die Antennen begleiten Brömmel schon eine lange Zeit. In Folge dessen finden sich in dieser Werkreihe auch seine vielen Reisen verewigt, die ihn schon in weite Teile Europas und nach Amerika (New York), Armenien, China, Thailand, Türkei, Ägypten, Marokko und Südafrika (Kapstadt) geführt haben.

Dirk Brömmel, Rheinenergie, 2004, 210 x 70 cm, Diasec/Aludibond; Quelle: Galerie Hengevoss-Duerkop

Etabliert hat sich Brömmel mit dem ihm eigenen Stil der Kopf-Über Fotografien. Von den Rheinbrücken herunter, fotografiert er ein Vielzahl von Schiffen, die zwischen Nordsee und Alpen verkehren. In der Postproduktion entnimmt Brömmel die Objekte ihrer Umgebung und konstruiert sie auf eine einfarbige Farbfläche. Auf Diasec aufgezogen verkehren die Schiffe in einem unbegrenzten Raum und funktionieren nicht mehr in ihrer stereotypen Rolle des schwimmenden Kolosses. Auf diese Weise geht jegliches Gefühl für Maßstäbe und Größen verloren – selbst die „dicken Pötte“ verlieren an Masse und wirken wie Spielzeuge, während die Decklandschaft für den Betrachter zum Suchrätsel wird.

Dirk Brömmel aus der Serie "Schwimmende Märkte", 2012, 40 x 40 cm, Quelle: Galerie Hengevoss-Dürkop

Viel reisen und dabei arbeiten – das kann man nicht in jedem Beruf. In der Serie der schwimmenden Märkte konnte Brömmel beides verbinden. Die schwimmenden Märkte sind allesamt im Ausland entstanden und das – um der Perfektion willen – in zwei Anläufen. Das Farbspektrum der (fernöstlichen) Pracht grenzt die Märkte ästhetisch so sehr von den rheinischen Kolossen ab, dass lediglich der Kopf-über Stil die beiden Serien verbindet. Zudem hat Brömmel das Motiv weiter seiner realen farblichen Umgebung entrückt. Die Farben der aufwendig eingezogenen Horizontallinien haben im Motiv jeweils einen Bezugspunkt, sodass die Wahl des Hintergrundes sich letztlich konsequent aus dem Motiv selbst ergibt. Ungeachtet des ähnlichen Stils unterscheidet sich diese Serie wesentlich von den Containerschiffen – auch in ihrer Wirkung auf den Betrachter. Trotz des vielschichtigen Farbrasters werden die schwimmenden Märkte von einer Unaufgeregtheit und Ruhe begleitet.

Dirk Brömmel, Villa Tugenthat 15, 2002, 100 x 100 cm, Diasec/Aludibond, Quelle: Galerie Hengevoss-Dürkop

Die Villa Tugenthat ist eine der wohl bedeutendsten Bauten des Bauhaus Architekten Mies Van der Rohe. Sie entstand 1929 zeitgleich zum Barcelona Pavillon in Brünn. Seine architektonische Bedeutung wurde schon vielfach besprochen und auch fotografisch wurde das Gebäude schon festgehalten. Anders als in der Architekturfotografie nähert sich Brömmel diesem Meilenstein des Bauhaus maßgeblich über einen historischen Ansatz. Ein Sprung in der zeitlichen Einheit, der zeitliche Maßstäbe außer Kraft setzt. Anhand von Aufnahmen des Hausherrn Fritz Tugenthat kombiniert Brömmel historische Aufnahmen mit gegenwärtigen Eindrücken. Mit den schwarz-weißen Aufnahmen aus der Vergangenheit vor Augen wählt Brömmel für die gleichen Orte des Hauses einen anderen Bildausschnitt und fügt beide Ansichten schließlich übereinander. Zu seinen Vorlagen gehören sowohl stilisierte Architekturfotografien wie auch Szenen des Familienlebens. Durch die Kombination eröffnet Brömmel innerhalb seiner Bilder einen Raum für Zeit in dem Vergangenheit und Gegenwart verschmelzen und sich ergänzen.

Die Ausstellung im Galeriehaus Hamburg hat von Mittwoch bis Freitag von 12:00 Uhr bis 18:00 Uhr sowie Samstags von 12:00 Uhr bis 14:00 Uhr geöffnet. Neben den erwähnten Serien sind weitere Werke aus dem Portfolio zu sehen. Weiterhin sind einige Publikationen zu Brömmels Arbeit erschienen.

Von alt bis neu. Die Werke der jungen Künstler der „guten aussichten“ in der zentralen Fläche der Halle sind in die verbliebenen Arbeiten eines Pioniers der Fotografie – Albert Watson – integriert. Am Eingang holen den Besucher die Werke der Künstler ab und führen übergangslos in die üppige Ausstellungsfläche ein.

Foto Nicolai Rapp - Dead White Men's Clothes, www.guteaussichten.org

Insbesondere Nicolai Rapps Arbeiten fungieren als verbindendes Element. Die Altkleiderbündel, die er ihrem Ursprungsort entrückt hat und isoliert vor weißem Hintergrund präsentiert, tauchen ebenso heimatlos wie ihr Inhalt an verschiedenen Stellen der Ausstellung auf. Ortswechsel liegen in der Natur der abgebildeten Kleidungsbündel. Hierzulande gesammelt haben sie eine Reise von Europa bis ins südliche Afrika hinter sich, um dort abermals Teil einer Sekundärindustrie zu werden.  Der Betrachter begibt sich augenblicklich auf Spurensuche nach Informationsfetzen, die hinter der immer gleichen Verhüllung verborgen bleiben. Das ein oder andere Bündel bietet Indizien, die auf den Inhalt schließen lassen und so die Neugierde des Betrachters entfachen. Der Titel der Serie „Dead White Men’s Clothes“ zeigt die unterschiedliche Wahrnehmung des Inhalts. Er rührt aus einer einfachen Logik: Solche Kleidung kann nur von Toten stammen, wer würde sie sonst ablegen.

Foto Henning Bode - Die Kinder des King Cotton, www.guteaussichten.org

Von Mozambique bis zum Mississippi. Die Guten Aussichten bewegen sich interkontinental. Einen zweimonatiger Aufenthalt im Mississippi Delta nutzte Henning Bode um eine der ärmsten Gegenden der Vereinigten Staaten aufzusuchen. Ebenso wie Nicolai Rapp folgt Henning Bode einer sozialen Fährte. In der Art der Aufbereitung befindet er sich mit seiner dokumentarischen Serie „Die Kinder des King Cotton“ allerdings am anderen Ende des Spektrums.

Foto Henning Bode - Die Kinder des King Cotton, www.guteaussichten.org

Er selbst beschreibt die Serie als einen Essay der ohne Erklärung und Text auskommt und dennoch Zeugnis einer ganzen Bevölkerungsgruppe gibt. Zum einen nutzt er das Medium Fotografie in seiner ursprünglichsten Verwendung, nämlich dem Festhalten von situativen, realitätsgebundenen Momentaufnahmen. Auf diese Weise entstehen Eindrücke von fröhlich und ausgelassen bis verstörend und bedenklich. Zum anderen sucht er in seinen intensiven Portraits die Nähe seiner neuen Bekanntschaften.

Foto Fabian Rook, Desktop Evidence www.guteaussichten.org

Von vor Ort bis weit weg. Orte zeigt auch Fabian Rook, der am heimischen Computer Screenshots von Google Streetview in Szene setzt („Desktop Evidence“). Ist das überhaupt Fotografie, wird manch einer fragen. Sicherlich ein Grenzgang, aber auch er arbeitet mit realitätsgebundenen Momentaufnahmen und realistischer Darstellung. Gerade diese Merkmale der Fotografie unterläuft er jedoch dadurch, dass er die Bilder in entscheidender Weise bearbeitet und damit nicht nur Sinne täuscht, sondern auch Informationen manipuliert. Er spielt mit dem kollektiven Gedächtnis einer Internetgeneration, indem er Orte einem gänzlich anderen Kontext zuordnet. Das Einfügen und Verändern einzelner Ausschnitte sowie die spezifische Auswahl des Bildausschnitts ermöglicht es die prägenden Merkmale des Ortes entscheidend zu verändern. So kann aus einer kargen Landschaft durch das Einfügen toter Talibankämpfer ein Kriegsschauplatz des mittleren Osten werden sowie aus dem Bildausschnitt einer Kirche nach Einfügen von Soldaten eine befestigte Grenze.

Installationsansicht Saskia Groneberg "Büropflanze"

Von Manipulation bis Recherche. Fotografie hat viele Formen. In deutlichem Kontrast zu Rooks Umgangsweise mit fotografischen Elementen, nutzt Saskia Groneberg die Fotografie zur Untersuchung, Recherche und Forschung. In ihrer Serie „Büropflanzen“ beobachtet, katalogisiert und inszeniert sie das grüne Gewächs, das so viele Tische, Nischen und Ecken deutscher Arbeitsplätze befallen hat. Neben der fotografischen Annäherung lies sie von Verfechtern deutscher Büropflanzenkultur darüber hinaus Aufsätze über ihre Beziehung zu der jeweiligen Pflanze anfertigen. Ganz erstaunliche Details deutscher Bürokultur werden dabei zu Tage gefördert, manch einer wird sich psychoanalytische Schlüsse nicht verkneifen können. Überzeugend ist die Arbeit vor allem auf Grund ihrer Konsequenz ein Objekt zum Thema zu machen, das wahrscheinlich in seiner bisherigen Existenz noch nie eine solche Aufmerksamkeit erfahren hat. Mutig und klug ein solches Detail in der Masse/im Brei der täglichen Umgebung zu entdecken. Auf humorvolle Weise erzählen die Arbeiten viele Geschichten aus dem Alltag von Millionen von Arbeitnehmern.

Von Botanik bis Erinnerung. Das archivarische Element findet sich auch bei Susann Dietrich wieder. Eine Sammlung von Objekten hat Susann Dietrich während eines Auslandaufenthalts in Istanbul (2011) zusammengetragen, die sie auf dechiffrierte Weise in ihrer Serie „Das Singen der Perlmutt-Zirpe“ zeigt.

Foto Susann Dietrich, Das Singen der Perlmutt-Zirpe www.guteaussichten.org

Gemeinsam bilden die Gegenstände eine Fundgrube für persönliche Erinnerungen und gleichzeitig ein Archiv einer vergangenen Zeit, das Eindrücke, Erlebnisse und Gefühle verwahrt. Diese Objekte spiegelt die Künstlerin in einem kleinen Kristall auf einem Sockel wider, der durch seine geschliffenen Kanten lediglich ein gebrochenes Bild des Archivs zeigt. Das unterschiedliche Farbenspiel lässt keinen konkreten Gegenstand erahnen, sondern kann lediglich Anstoß für Fantasie sein, denn einzig die Künstlerin weiß welcher Gegenstand im jeweiligen Bild der Kristallkugel kondensiert ist und welche Erinnerung dieser verwahrt. Gleiches gilt für die Objekte die als Installationen das Erinnerungsarchiv begleiten.

Foto Svetlana Mychkine, Zuckerblau, www.guteaussichten.org

Von Erinnerung bis Zukunft. Svetlana Mychkine zeigt in ihrer Serie „Zuckerblau“ russische Waisenkinder, die im Rahmen der Adoptionsgesetze jüngst unfreiwillig Thema in der Politik geworden sind. Die Künstlerin ist zeitweilige Bewohnerin der Waisenhäuser geworden, um eine Beziehung zu den Kindern aufzubauen. Anders hätten derart authentische und intime Aufnahmen wohl nie entstehen können. Lichtblick in einer unangenehmen Umgebung sind einzig die Kinder selbst.

Foto Svetlana Mychkine, Zuckerblau, www.guteaussichten.org

Momente kindlicher Freude und Wohlbefinden stehen im völligen Kontrast zu einer funktionalen und kalten Einrichtung. Wenige Bilder und etwas Farbe sind höchstens ein schlechter Versuch gewesen eine farbenfrohe Kinderwelt zu suggerieren. Lichtblicke in der Zukunft der Kinder? Fehlanzeige.

Von Einsamkeit bis Loveparade. Jakob Weber reflektiert in seinen Bildern den eigenen Aufenthaltsort zum Zeitpunkt eines gesellschaftlichen Einschnitts durch eine Katastrophe und wählt damit eine andere Art der zeitgeschichtlichen Dokumentation („In Gegenwart“). Seinen unaufgeregten Farbfotografien von verschiedenen Orten stellt er kleinformatige schwarz-weiß Bilder gegenüber, die jeweils ein historisches Ereignis zeigen. Wem selber das Erleben von Katastrophen erspart geblieben ist, wird regelmäßig den eigenen Aufenthaltsort zur Bühne der Erinnerung machen. Dem spitzfindigen Beobachter fallen diverse Parallelen auf: Während 2002 in Erfurt am Gutenberg-Gymnasium durch die Schüsse eines Schülers 17 Menschen zu Tode kommen, sitzt Jakob Weber selber in einem Schulzimmer. Während in Japan die gigantischen Wellen eines Tsunamis ein Atomkraftwerk überrollen verweilt Jakob Weber an einer Promenade in Wien.

Foto: Jakob Weber, In Gegenwart, www.guteaussichten.org

Japan, 11. März 2011

Von Stuttgart bis Hannover. Von Nordamerika bis Mozambique. Von der Büropflanze bis Google Streetview.  Von schwarz-weiß bis bunt. Von klassischem Stil bis Grenzgängen fotografischer Technik. Von einem Spiegel aktueller Themen bis zu einem Querschnitt junger deutscher Fotografie. Das sind gute Aussichten für die “guten aussichten”.

Jo Fischer #02 der Serie 'Psycho' (2012) im selbstgefertigten Holzrahmen, Quelle: heliumcowboy

Jo Fischer ist PSYCHO

Jo Fischer setzt zum vermehrten Mal auf Serie. Mit seinen Fotografien hat er Eindrücke aus der Psycobillyszene gesammelt. Fischer ist oldschool, ein waschechter Straßenfotograf wie aus der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts – und ein Geschichtenerzähler: Er hält für diejenigen etwas fest, die nicht dabei sind. In einer Zeit in der jeder überall auf den Auslöser drückt, ist für ihn eine Verortung vielleicht besonders wichtig. Stärker denn je hat Fischer bewiesen, dass es ihm gelingt, einen Rahmen für seine Arbeiten zu schaffen: er hat ihnen ein Haus gebaut, einen eigenen kleinen Rocabilly-Club. Der Kasten ist recycelt. Er war jüngst Schauplatz eines weiteren Geniestreichs der Galerie: GEORGEHEARTSMARIA. Fischer hat ihn mit Holz verkleidet und mit Samt ausgehängt. Seinen kleinformatigen Fotografien hat er Holzkästen gebaut – mit ordentlich Glitzer. Das kann man toll finden oder nicht. Wer sich darauf einlässt, erkennt jedenfalls den Zauber seiner Arbeiten: Jo ist dabei. “Damit nährt er sich als Künstler der Präsentation seiner Arbeiten an”, sagt Heikhaus und blickt mit Spannung dem nächsten großen Projekt seines Schützlings nach “Herr Fischer bittet zu Tisch” entgegen: Der “German Feierlichkeit”.

ADAMEVA Disco zu Disco (2012), Acrylfarbe und Tape auf Fotopapier, Quelle: heliumcowboy

ADAMEVA sind Noise

Beim Künstlerduo ADAMEVA sei es weniger darum gegangen, eine starke Entwicklung zu zeigen, so Heikhaus. Vielmehr sei die Frage: “Können sie den Spannungsbogen aufrecht erhalten?” Im April dieses Jahres erst debütierten die beiden Freundinnen, Marie Suberg und Larissa Kerner, mit ihren großformatigen Arbeiten in der Galerie. Zum Jahresende sind es wieder Selbstportraits. Genau vier an der Zahl, jede der beiden hat zwei davon gemalt. Wieder sind die Bilder poppig-knallig, alles glänzt, wieder ist eine gehörige Portion Gaffa-Tape im Spiel. Mit dem machen sie am Rand ihrer Malereien nicht halt. Wie gewohnt nehmen sie damit ihren gesamten Raum in Beschlag. Neu ist das Medium auf dem ihre Kunst stattfindet. Die Leinwände sind Fotopapier gewichen. Das robuste Material ist für die Ewigkeit gemacht und bietet mit seiner hohen Haftung eine hervorragende Grundlage für die Arbeit mit Tape. Zwei Ausstellungen in einem Jahr – Heikhaus bezeichnet die Zusammenarbeit mit ADAMEVA als Crashkurs. “Die brauchen gar keine Zeit, weil da so viel Feuer dahinter ist”, sagt er. Diese Frauen haben den Mut, laut zu sein.

ALEX DIAMOND Trooper 4 (2012), Acryl auf Lambda-Druck, Quelle: heliumcowboy

Alex Diamond ist DESIRE

Von Alex Diamond gab es 2012 einiges zu sehen. Mit der Alex Diamond Mining Company hat er seine Kunst der festgelegten Persönlichkeit dahinter beraubt und eine Marke an ihre Stelle gesetzt, seine Magazine Drawings wurden ihm aus der Hand gerissen, in die Millerntor Gallery hat er einen Thron gebaut. Dabei ging es handwerklich meist hoch her. “Ich hatte einfach Bock auf Ruhe”, sagt Heikhaus. Dies ist seit vielen Jahren die erste Ausstellung, für die er sich wieder hinter seinem Pseudonym hervor gewagt hat. “Ich hatte auch mal Lust, eine Zeit lang nicht zu schnitzen.” Deswegen zeigt er hinter weißem Vorhang Schwarzweißaufnahmen von attraktiven, leicht bekleideten Frauen mit Stormtrooper-Helm, diamond-typisch überzeichnet mit den schwarze Männchen mit den schlaksigen Armen. Er selbst hat sich auch unter die Maskenträger geschmuggelt. Das sei aber mehr Zufall gewesen, sagt der Künstler. Das Masken-Motiv zieht sich schon lange durch die Arbeiten Alex Diamonds. “Man kann eine Maske nehmen, um etwas zu verstecken, oder man kann eine Maske nehmen, um etwas zu verstärken oder es in einen komplett neuen Kontext zu bringen oder aber um zu uniformieren”, all diese Aspekte wolle er in seinen Werken vereinen, sagt der Künstler.  Mit dem Stormtrooperhelm schafft er abermals eine Marke. Er bedient sich der Assoziationen, die diese bereits weckt, Stärke, Macht, und setzt sie in einen neuen Kontext: Der abstruse Bann wunderschöner Frauen, bei denen man nicht weiß, ob sie von der andersartig schönen Maske entstellt oder veredelt werden.

PSYCHONOISEDESIRE ist keine Gruppenausstellung. Es sind drei kleine Ausstellungen auf einer Fläche. Hier hat jeder sein Ding gemacht, aber das ging nur, weil alle zusammen gehalten haben. „Das ist hier nicht nur meine Ranch, das ist auch deren Ranch“, sagt Heikhaus. Alle Beteiligten sind eng befreundet. Niemand musste vorher wissen, wie die einzelnen Teile der Ausstellung am Ende aussehen würden. Heikhaus hat die Arbeiten von ADAMEVA selbst erst gesehen, als die Künstlerinnen zum Hängen in die Galerie kamen.  Vertrauen ist das Stichwort, was es hier ermöglicht hat, vier Künstlern ihren ganz eigenen Raum zu geben. “Oft fehlt uns Künstlern ein gewisser Teil”, findet Heikhaus. “Das zu Ende Denken”. Man arbeite sich sein Leben lang an “der Sache” ab. Er ist hingegangen und hat gesagt: “Da setze ich mal ein Ausrufungszeichen hinter das Jahr.” Schön sieht das aus.

Samstag, den 15. Dezember ist leider auch schon Schluss. Von 13 -19 Uhr ist die Finissage. Es gibt Glühwein und vier der liebenswertesten Künstler Hamburgs.

Flyer für die Vernissage, Quelle: heliumcowboy

"Schüttbilder" Anselm Reyle, Ohne Titel, 2012, Mischtechnik auf Leinwand,242 x 191 x 5,5 cm, Quelle: Deichtorhallen

"Meißenporzellan", Anselm Reyle, Ohne Titel, 2012, Porzellan in Glasvitrineca 33 x 77 x 37 cm, Vitrine 146 x 86 x 55 cm

Mit der Ausstellung „Mystic Silver“ von Anselm Reyle unter dem kuratorischen Einfluss von Dirk Luckow, Intendant der Deichtorhallen, ist in der Halle für Aktuelle Kunst ein Vorbild für eben jenen Beweis entstanden, dass hochklassige zeitgenössische Kunst nicht ausschließlich auf technischen Fertigkeiten, sondern im Wesentlichen auf ausgereifter Konzeption basiert. Damit ist gemeint, dass unabhängig von künstlerischen Fertigkeiten – die Reyle keinesfalls abgesprochen werden sollen, im Gegenteil – sich eine hervorragende Ausstellung durch ein stimmiges kohärentes Erlebnis auszeichnen kann. „Mystic Silver“ ist keine klassische Ausstellung in einem White Cube-Kontext, sondern nimmt den Besucher mit auf eine Reise der Sinneserfahrungen und schließt sich damit hervorragend an das interaktive Erlebnis des Horizon Field von Antony Gormley an, das ungeahnte Besucherrekorde verzeichnete.

Einerseits Reyles offener Arbeitsprozess (Meißenporzellan, “Schüttbilder”) und andererseits der unterschwellige Formalismus der Ausstellung sind ausbalanciert. Letzteres beginnt mit der mathematischen Werkgruppe “Malen nach Zahlen” und gipfelt in der Raumkonzeption der 3200 qm Halle. Die Halle ist durch einen gigantischen Vorhang aus Silberfolie in zwei geteilt. Die vordere lichtdurchflutete Hallenhälfte („Lichthalle“) hat in der zweiten Hälfte ihr durch Dunkelheit geprägtes Pendent („Dunkelhalle“), in der Lichtquellen in die Werke integriert sind bzw. vornehmlich Schwarzlicht verwendet wird.

Anselm Reyle: (v.l.) "Streifenbild", Untitled, 2010. Eternity, 2009. "Streifenbild", Ohne Titel, 2008/2009. Installationsansicht aus der Ausstellung MYSTIC SILVER, Foto: Henning Rogge / Deichtorhallen Hamburg

Der Reihe nach. Am Eingang stimmt nicht nur die Ticketbox, sondern auch die vielen Bau-, Licht- und Arbeitsmaterialien auf die verwendete Materialvielfalt in Reyles Schaffensprozess ein. Im vorderen Teil der „Lichthalle“ steht Reflektion und Spiegelung im Vordergrund. Durch die Spiegelfolie geht von den „Streifenbildern“ eine besondere Ambivalenz aus, die durch die Bewegung des Betrachters vor dem Werk deutlich wird. Gleichzeitig wird man durch Ausschnitte seines eigenen verzerrten Spiegelbilds in das Kunstwerk mit einbezogen. Das gleiche gilt für die spiegelnden Skulpturen (bspw. Eternity), in denen das eigene Abbild vielfach wiedergespiegelt wird und auf diese Weise Körperformen und Raumproportion verloren gehen. Ein ähnliches Phänomen zeigen die dahinter liegenden Arbeiten (ohne Titel), deren Oberfläche hinter dem Acrylglas durch seine unbestimmte Struktur und die daran gebrochenen Spiegelungen kaum wahrnehmbar ist. Auch ein Betrachten aus kürzester Distanz bringt kaum einen Erkenntnisgewinn, so dass Formen und Farben unwirklich verborgen bleiben.

Umso mehr von Farbe geprägt ist der Übergang in die dunkle Hälfte. Umgeben von großen neongelben Farbflächen in deren Unendlichkeit man geneigt ist eintauchen zu wollen, zeigt sich hinter dem silbernen Vorhang der mit Spannung erwartete zweite Teil – die „Dunkelhalle“. Auch hier setzt sich zunächst die scheinbar allumgebende Farbfläche fort, allerdings mit Schwarzlicht in Szene gesetzt, so dass spätestens hier das Gefühl einer mystischer Umgebung im Besucher aufsteigt. Insgesamt ist die Lichtstimmung bestimmendes Thema der zweiten Hallenhälfte.

Anselm Reyle: Ohne Titel, 2008. Installationsansicht aus der Ausstellung MYSTIC SILVER, Foto: Henning Rogge / Deichtorhallen

In die meisten Skulpturen sind Lichtquellen integriert, teilweise changierendes farbiges Licht oder auch kaltes Neonlicht. Wie hier zu sehen von Neonröhren, die eine komplexes Puzzle aus Formen, Buchstaben und Symbolen bilden. Man mag an dieser Stelle den Vorwurf äußern, dass auch die Neonröhren einem schon vergangen Ready-made Charakter anhängen, aber die kleinteilige filigrane Hängung und die je nach Blickwinkel variierende Formenvielfalt ist über solche Kritik längst erhaben. Überhaupt weiß Reyle Ready-mades geschickt zu inszenieren, wie der leuchtend grüne Heuwagen und sein Pendent die silbernen Strohballen (Straw Bales) in der „Lichthalle“ zeigen.

Anselm Reyle, Heuwagen, 2001/2008, Fundstüˆck 500 x 140 x 160 cm, Quelle: Deichtorhallen

Ausgehend vom Material genauso wie von der originären Verwendung (i.S.d. Agrarwirtschaft) stehen beide Werke in einem krassen Kontrast zu den derben Stahlträgern und dem häufig verwendeten Industrieschrott (Mystic Silver). Trotzdem stört sich die Wahrnehmung daran nicht, weil Licht und Umgebung diesen Kontrast wunderbar auffangen.

Einmal mehr zeigt sich daran die großartige Vielfalt, was Material, Farben, Licht, Präsentation, Konzept und Arbeitsweise angeht und diese Ausstellung einen Besuch absolut wert machen. Die Ausstellung ist noch bis zum 27. Januar 2013 in der Halle für aktuelle Kunst (Deichtorhallen) zu sehen. Zur Ausstellung ist ein Katalog (deutsch/engl./franz.) mit zahlreichen Installationsaufnahmen sowie Texten von Friedrich von Borries, David Ebony und Dirk Luckow im DISTANZ Verlag erschienen.

Impressionen einer Affordable Art Fair

Die ersten Eindrücke und Kommentare auf der AAF waren durchaus gemischt. Während man bei 5000 Besuchern an nur zwei Tagen sicherlich davon sprechen kann, dass das Interesse in Hamburg groß ist, war nicht jeder so hellauf begeistert, wie diejenigen, die mit großen pink eingewickelten Rahmen die Messe freudestrahlend verließen. Natürlich ist es die Jury, die über die Teilnahme der Galerien entscheidet, aber es sind die Galerien, die dafür verantwortlich sind, was sie daraus machen. Es kommt also wie es kommen muss, einige Aussteller setzen mehr auf Quantität als auf Qualität. Anstatt sich für eine Linie oder ein klares Konzept einer Werkschau zu konzentrieren, bleibt bei dem ein oder anderen Messestand kein Quadratzentimeter weiße Wand ungenutzt. Nicht ganz unüblich für eine Messe, die schließlich auch keine unwesentliche Standgebühr kostet und häufig ein eher repräsentatives als ein ertragreiches Geschäft ist, aber es bleibt ein Beigeschmack, wenn an einem Stand kein Künstler mit mehr als einem Werk vertreten ist. Der Hang zur Publikumswirksamkeit überwiegt dann auch schon mal den Anspruch der Aktualität. Hyperrealistische Fotografien im Großformat sind keine Entdeckungen des neuen Jahrzehnts. Und der Versuch eines Giacomettis in klein versucht vielleicht auch eher auf das aufzuspringen, was bei den Besuchern Wiedererkennungswert weckt. Nicht zuletzt deshalb ist von einigen Hamburger Galeristen mit Vorsicht auf die neue Messe reagiert worden, man müsse erst einmal abwarten, was daraus wird. Namentlich – weil positiv –  hervorzuheben ist aus Hamburg insbesondere Renate Kammer, die trotz vieler verschiedener Arbeiten eine ansprechende ästhetische Gesamtkomposition vorstellt, in der  die einzelnen Werke mit einander harmonieren. Deutlich beliebter als bei den führenden Hamburger Galerien, ist die AAF da schon in den Niederlanden und Spanien, in denen sie offenbar mit dem Standort Amsterdam auf ein offenes Publikum getroffen ist bzw. vom Niedergang des spanischen Kunstmarktes profitiert. Letzteres spannt den Bogen zu einem der Eckpfeiler des AAF Konzepts, dem angesprochenen Preisrahmen.

Verschiedene Arbeiten von Uwe Lewitzky, Galeria Gudberg

Bei der Breite des Publikums stößt der festgelegte Preisrahmen auf ebenso positive Resonanz wie das pinke Coporate Design, das genügend Besucher dazu veranlasst entsprechend aufzutragen. „Na, schon was gekauft“, ist wahrscheinlich der häufigste Satz der für eine Begrüßung oberflächlicher Bekanntschaften ausnahmsweise ernster gemeint ist, als auf anderen Ausstellungseröffnungen. Sich bei Gudberg eine Leinwand mit der Aufschrift „Niemand auf der Welt bekommt soviel dummes Zeug zu hören wie ein Bild in einer Ausstellung“, oder „Es gibt Seuche und Seuche und Sonne und Sonne“, ist sicherlich eine der günstigsten Variante, Worten Taten folgen zu lassen, aber auch die Seichteste.  Auf den zweiten Blick muss man leider noch mehr Fehler im System erkennen, wenn man bei einer Fotografie (!), die die obere Preisgrenze berührt, eine Aufnahme aus einer Edition von 14 erwirbt, dann weiß man wie die Preisrechnung zu Stande gekommen ist.

Low Bros - State of Blind, 2011, Acryl und Sprühfarbe auf Holz, 80 x 120 cm

Alles also mehr Schein als Sein? Nein, dass sicherlich nicht. Es wird gehalten was versprochen wird. „Zeitgenössische Kunst bis 5.000 € in einem entspannten Rahmen zu genießen“, das kann man auf der AAF alle mal. Neben einer breiten Vielfalt an verschiedenen künstlerischen Medien, gekonnte musikalische Begleitung durch Lovegang und ein gut gelauntes Publikum ist auch die Ausstellung der Emerging Artists ein Highlight. Die Präsentation der sechs Hamburger Künstler Grit Richter, Stefan Sandrock, Martin Bronsema, Swen Kählert, Ki Yoon Ko im Duo mit Igor Maier und die Gebrüder Low Bros zeigt eine interessante Auswahl an Werken und bietet nebenbei bemerkt einen hervorragenden Katalog – klasse! So trägt die AAF ihren Teil zum Diskurs über zeitgenössische Positionen lokaler Künstler bei und schafft einen Mehrwert, der über die Freude am Entdecken, Kaufen und Diskutieren der Besucher hinausgeht. Ein Vergleich mit den “Großen” der Branche mag zu weit gehen, aber das was uns die AAF verspricht, hält sie und bereichert den Hamburger Standort.

Arbeiten von Patrick Farzar bei Feinkunst Krüger

Back in 7 Minutes – Unter diesem Titel ist dieser Tage bei Feinkunst Krüger das moderne Gesicht der Zeichnung zu sehen. So der Anspruch der Ausstellung. In der Tat zeigt die Ausstellung eine Bandbreite an modernen Zeichnungen und ja, man trifft dabei auf wirklich interessante und abwechslungsreiche Arbeiten. Diese kommen frech, rüde oder humorvoll und farbig daher, aber auch feinsinnig und bisweilen mysteriös. Es stellt sich dennoch die Frage: Kann uns diese Gruppenausstellung auch wirklich das moderne Gesicht der Zeichnung offenbaren?

Stefan Marx, Landscapes

Dafür spricht das spannende Wechselspiel zwischen den ausgestellten Künstlern. Angefangen auf der langen ersten Wand zur Linken reihen sich die Arbeiten des Hamburger Künstlers Stefan Marx. Gewissermaßen bilden sie den Einstieg in die Ausstellung und lassen erahnen, was folgt: Schnelle Striche, spontane Umsetzung, die sich der Perfektion verweigert und auf den Moment konzentriert. Es handelt sich um direkte Kommunikation, die nicht umständlich sein muss. Dabei bedient sich Marx oft einer auf den ersten Blick kindlichen oder auch unbedarften Art des Zeichnens. Diese wird jedoch gepaart mit schwer zu entschlüsselnden Vagheiten, die den Betrachter zu einem zweiten Blick zwingen, so beispielsweise bei der geheimnisvoll anmutenden schwarz-weißen Werkgruppe “Landscapes”.

Patrick Farzar, Patrick Farzar Corner (verschiedene Arbeiten)

Diesem ersten Abschnitt entgegengesetzt tritt die “Patrick Farzar Corner” in Erscheinung. Die Arbeiten des Hamburger Künstlers  sind raffiniert in eine Ecke eingefügt worden, die vom Eingang und von der ersten Wand nicht eingesehen werden kann. Dem nichts ahnenden Um-die-Ecke-Kommenden springen die Arbeiten somit unmittelbar und mit Wucht entgegen. Die “Farzar Corner” ist eine Ansammlung von Zeichnungen, unterschiedlich in Farbigkeit, Technik, Rahmung und Format. Hatte man sich gerade an das Schwarz-Weiß von Stefan Marx gewöhnt, so trifft dieses feingliedrige Gewirr einen völlig anderen, lauten und stürmischen Ton. Ähnlich wie bei Stefan Marx sind viele der Zeichnungen von Spontanität geprägt, im Gegensatz jedoch von Ordnung und Einheitlichkeit befreit. Die Menge an kleinen Arbeiten und die Virtuosität führen an den Rand zur Überforderung, animieren aber gerade zum genauen Hinsehen.

Wieder kommt es zu einem Wechsel: Die zarten Bleistiftzeichnungen des Newcomers Anton Engel sind im Kontrast zu der Farzar Corner einheitlich angeordnet und in sich ähnelnden Farben gehalten. Sie erinnern an Comics, derer typischen Stilmittel sich Engel konsequent bedient. Engel unterscheidet sich von den beiden Künstlern zuvor durch eine sehr viel peniblere Zeichenweise. Die Zeichnungen sind durchformuliert und in ihren Kompositionen fest in der Bildfläche verankert. Man kann den Arbeiten damit sogar eine beruhigende Wirkung zuschreiben, man ist ja zuvor wachgerüttelt worden.

Patrick Farzar, Old Brother

Dann kehrt Patrick Farzar mit Dynamik zurück: Das großformatige Werk „Old Brother“ zieht den Blick ohne Mühe auf sich. Es handelt sich um eine Bleistiftzeichnung, die von der Ferne ein strenges Männergesicht zeigt, welches sich von Nahem betrachtet als ein Gewirr aus Gesichtern, Körpern, Grimassen und anderem herausstellt. Auch hier spielt Farzar mit dem Element der Überfrachtung: Die unzähligen Details auf der großen Fläche lassen sich einerseits von Nahem kaum im Ganzen erfassen, von Weitem verschwimmen sie hingegen wieder zu einer grauen Masse, die Zeichnung ist schwer zu greifen.

Die Arbeiten des Künstlers Matt Lock aus den USA sind in ihrer Technik wiederum sehr viel präziser und stellen skurrile und bisweilen bedrückende Szenen mit deformierten menschenartigen Geschöpfen dar, die sich an ungewöhnlichen Schauplätzen aufhalten. Das Ganze scheint in Surrealismus getüncht, sieht jedoch nach Comic aus und vereint dabei auch Auschnitte aus Zeitschriften oder Zeitungen. Letztlich beschwört Matt Lock in seinen ausgestellten Arbeiten in bestechender Deutlichkeit eine unheimliche Welt herauf. Das angesprochene Wechselspiel macht sich deutlich bemerkbar und zieht sich weiter durch die gesamte Ausstellung.

4000, verschiedene Arbeiten, Wand gestaltet von Stefan Vogel

Dafür sprechen auch die Variationen in der Präsentation der Werke. Denn es liegt eine Aneinanderreihung von geordneten und ungeordneten aber ausdrucksstarken Arten der Präsentation vor. So schon im Verhältnis zwischen Marx und Farzar, aber vor allem bei den ausgestellten Arbeiten des Künstlers 4000 in einer Nische auf halber Länge des Raumes. Die Arbeiten von 4000 sind in einem Durcheinander mit Klebeband und Tackernadeln befestigt, eine Aldi-Tüte verleiht dem ganzen eine plastische Komponente, in der Mitte prangen zwei neon-pinke Vogelwesen. Die Zusammenstellung wirkt impovisiert und spontan, sogar die Mappe, in der die Arbeiten aufbewahrt wurden, ist der Hängung einverleibt worden. Die Arbeiten selbst zeigen eine Bandbreite an Motiven, oft collagenartig zusammengesetzt mit malerischen Elementen, sehr kraftvoll und selbstbewusst. Durch die isolierte Position im Raum, einen die Nische überspannenden Rundbogen aus Klebestreifen und die Akzentuierung durch eine einzelne Lichtquelle erhält die zunächst wilde Ansammlung einen sakralen, ja altar-ähnlichen Charakter. Dies steht im starken Kontrast zu den teilweise obszönen Inhalten,  wie zum Beispiel einer kleineren gerahmten Arbeit, mit der simplen Anweisung: “Drink, Paint, Fuck”.

Die Hängung selbst stammt vom Künstler Stefan Vogel, der bei den Vorbereitungen für die Ausstellung zugegen war und sich dazu berufen fühlte, die Arbeiten von 4000 aufzuhängen (Stefan Vogel wird mit Simon Hehemann ab dem 04. November bei Feinkunst Krüger ausstellen). 4000 selber war zu diesem Zeitpunkt gar nicht anwesend, ist jedoch hellauf davon begeistert und kommentierte die Hängung beim ersten Anblick mit empor geworfenen Armen, so die Geschichte dahinter.

Von Farzar wiederum stammt das Gewehr, welches sich mitten im Raum befindet (“1952″; s. Titelbild oben). Neben der eigentlichen Gestaltung durch eine feine Holzgravur, fällt auch hier die Präsentation ins Auge. Es schwebt über einem etwas mehr als hüfthohen weißen Sockel, an Nylon-Schnüren befestigt. Auf den ersten Blick könnte man meinen der Sockel sei ein irgendwie geartetes tragendes Element. Aber nein, er stellt lediglich eine scheinbare Verbindung zwischen Boden und Ausstellungsstück. Dieser Effekt verleiht dem mit lachenden Gesichtern aber auch Totenköpfen gravierten Gewehr gleichsam die Leichtigkeit und Spannung eines magischen Artefaktes, hier hat sich jemand Gedanken gemacht.

Giezendanner, Paper Market Kairo

Außerdem ist die Ausstellung tatsächlich international. Die Zeichungen Ingo Giezendanners sind dafür ein klares Beispiel. Er bewegt sich zwischen Vilnius, Kairo und Zürich und zeichnet unscheinbare Orte und gibt damit sein eigenes urbanes Erlebnis wieder. Die Arbeiten sind mit solch ruhiger und präziser Hand gefertigt, dass sie von der Realität losgelöst wirken und eine zweidimensionale Fäche aus schwarzen Linien und Farbflächen bilden.

Eine internationale Sprache spricht auch der Japaner Ken Kagami. Dieser reiht 24 bizarre Variationen von Snoopy in weißen Rahmen aneinander, welche farblich mit den gegenüberliegenden Werken von Stefan Marx korrespondieren, man ist wieder bei Schwarz-Weiß angekommen. Snoopy fungiert hier als globalisiertes Wesen, eine Ikone bekannt zwischen Tokyo und Hamburg. Damit vollenden Kagamis Arbeiten die bereits angesprochene Internationalität und verdeutlichen, dass Zeichnung nicht ortsgebunden ist, sie ist frei von geographischen Einschränkungen und spricht den Betrachter auf einer direkten Eben an, kulturelle Barrieren werden spielerisch überbrückt.

Ken Kagami, o.T.

Ein letzter jedoch essentieller Aspekt: Die Auswahl der Künstler ist gelungen. Denn diese sind trotz einiger Gemeinsamkeiten alle Vertreter verschiedener Facetten der modernen Zeichnung. Damit spannt die Ausstellung einen Bogen von Stefan Marx bis hin zu Ken Kagami, mit zwei turbulenten Teilen, der “Farzar Corner” und der “4000-Nische”, dazwischen immer wieder Ruhigeres, weniger Hektisches. In diesem Raum solch verschiedene Eigenschaften ausgewogen nebeneinander zu bringen, ohne dass sie sich in Quere kommen, wird wohl die größte Herausfornderung gewesen sein. Es hat funktioniert. Vor allem aber zeigt die Ausstellung die Rolle der modernen Zeichnung: Sie bietet ein Medium, welches unsere unmittelbare Umwelt in schnellen Strichen, ungehemmt und mit direkten Reaktionen aufnimmt und durch die Augen und Gedankenwelt der Künstler widerspiegelt. Sie kann damit einerseits die Moderne dokumentieren und andererseits die Psyche einer ganzen Generation offenlegen.

Somit ist die Antwort: Ja. Die Ausstellung kann zurecht den Anspruch erheben das moderne Gesicht der Zeichnung zu zeigen. Eine feine Auswahl an Arbeiten und eine ausbalancierte Abstimmung im Raum und in der Anordnung machen den Besuch von „Back in 7 Minutes“ zur Notwendigkeit für Liebhaber der modernen Zeichnung, und für alle anderen auch.

Back in 7 Minutes

Laufzeit: 07. – 27. Oktober 2012

Feinkunst Krüger, Kohlhöfen 8, 20355 Hamburg

Roberto Matta, der trotz seiner engen Freundschaft zu Marcel Duchamp dem Pinsel treu blieb, wird überwiegend den Surrealisten zugeordnet. Der hohe Grad an Abstraktion verlangt vom Betrachter einiges an Phantasie und ist nicht immer leicht zu erschließen. Dankenswerterweise helfen dem ein oder anderen Gedanken die Hinweise des Kunstforums auf die Sprünge. Neben den thematischen Inhalten stellt Matta auch eine Beziehung seines Werks zum Raum her: Fiktionsräume. Der Besucher versinkt in einem solchen Fiktionsraum, wie in Mattas fünfteiligem Werk Le Honni Aveunglant (1966) oder in der absurden Atmosphäre von Schwarzlicht und fluoreszierenden Farben Les métaux fondus reviennent au feu de la teere (1988).

Die Ausstellung, welche gemeinsam mit dem Frieder Burda Museum Baden-Baden entwickelt wurde, präsentiert dem Besucher eine großzügige Hängung vieler großflächiger Gemälde. Die hohen dunklen Wände, die zuletzt noch das New York des vergangenen Jahrhunderts in düsterer Atmosphäre auferstehen ließen, bringen die gewaltige Farbintensität der Werke hervorragend zum Ausdruck. Farbe ist ein wichtiges Stilmittel in Mattas Werk, um verschiedene Bildzentren zu entwickeln. Große verwischte Farbflächen schaffen mehrere Bildmittelpunkte, während sich eine klare Perspektive häufig aufgrund überspannender Liniennetze auflöst. Mal versinkt das Motiv des Bildes in einem Chaos aus Farbflächen, die von einem derartigen Zeichensystem überlagert sind (Locus Solus, 1942/42), mal liegt der Fokus auf einer farbigen Inszenierung einer einzelnen zentralen Kraft (L’ouverture de l’etre, 1959). In diesem stilistischen Gegensatz ist der künstlerische Entwicklungsprozess Mattas Mitte des 20. Jahrhundert deutlich sichtbar.

Die Deutung liegt auf der Hand, dass Matta sich insbesondere in den 1940er Jahren mit den damals gegenwärtigen politischen Entwicklungen auseinandersetzte. Matta, der bereits seit 1938 im Exil in New York lebte, verfolgte die radikale Führung seines Heimatlandes, den spanischen Bürgerkrieg ebenso wie die Wehen des II. Weltkrieges. Angesichts dieser totalitären Systeme ist es wenig verwunderlich, dass zunehmend Chaos und zentrale dekonstruktive Mächte die Bildmotive Mattas beherrschen (La Question 1960, L’Impecible 1957).

Zentrales Thema ist außerdem Mattas Vision einer technisierten Zukunft und damit verbunden der Beziehung des Individuums zu seiner Umwelt. Zwischen den Tötungsmaschinen des zweiten Weltkriegs und den futuristischen Ufos der frühen Jahre seines Schaffens, werden in Eros-océan (1960) grundsätzliche philosophische Ansätze thematisiert. In ähnlicher Weise inszenierten die Wachowski-Geschwister knapp 60 Jahre später im Sciencefiction Epos “The Matrix” den Menschen in einer technisierten Umwelt. Der Mensch in einer technisierten Umgebung bzw. von Maschinen beherrscht, vermag nicht auszubrechen, um eine höhere (intelligible) Gedankenwelt im Sinne des platonischen Höhlengleichnis zu erreichen. Die Welt wie er sie sich selbst geschaffen hat, lässt keine geistige Entwicklung eines höheren Bewusstseins zu. Schade.

Die künstlerische Auseinandersetzung mit totalitären Gesellschaftsformen, dem Individuum im Spannungsfeld von Machteinfluss und Technisierung werden wohl kaum an Aktualität verlieren, so dass Roberto Mattas zeitlose Themen einen Besuch lohnen. Die Ausstellung ist noch bis zum 6. Januar im Bucerius Kunstforum (Rathausmarkt 2) zu sehen. Für weitere Veranstaltungen während der Ausstellungsdauer siehe den Terminkalender. Der begleitende Katalog ist im Hirmer-Verlag erschienen und für 24,80 € im Handel erhältlich.

„Fotgrafie Total. Werke aus der Sammlung des MMK“ im Museum für Moderne Kunst

Fotos-Gucken im MMK wird in diesem Sommer zum Besuch bei alten Freunden. Man kennt sich. Der Reiz des Neuen ist verpufft, der Glanz aber noch lange nicht ab. Thomas Demand, Jeff Wall, Thomas Ruff – der „Das-kenn-ich-doch“-Moment ist ständiger Begleiter auf dem Weg durch die Ausstellung. Fühlt sich gut an.

Natürlich zeigt das MMK seinen Besuchern auch Neues. Im Fokus steht konzeptionelle und Reportage-Fotografie. Einen besseren Kontext hätte man für die erstmalige Präsentation der Serie „At War“ von Anja Niedringhaus nicht wählen können. 60 Fotografien erzählen auf bestürzende Art und Weise von den Menschen in Kriegsebieten.

Anja Niedringhaus, aus der Serie "At War", 2009 mit freundlicher Leihgabe von Anja Niedringhaus

„Fotografie Total“ setzt bekannte Werke neben Neuerwerbungen in einen frischen Kontext. Durch die Integration von Videoinstallationen, wie der Film „Commission“ des Niederländers Erik van Lieshout, eine Analyse der Dynamik der Märkte angesiedelt zwischen sozialkritisch und humorvoll, eröffnet die Ausstellung die Perspektive auf einen erweiterten Fotografiebegriff.

„Jeff Koons“ – Statuen im Liebighaus, Gemälde in der Schirnkunsthalle

An einem Mann kommt man in Frankfurt dieser Tage nicht vorbei: der U.S. amerikanische Künstler Jeff Koons hat Frankfurts Plakat-Flächen seit Wochen fest in der Hand. Nicht ohne Grund. Koons ist mehr als der „Ü-18“ Raum in der Schirn, in dem Gemälde hängen, die ihn und seine damalige Partnerin, Porno-Darstellerin und später Politikerin Ilona Staller, beim Sex zeigen.

Koons ist Spaß. Koons ist Mainstreem in Pop-Art verpackt ins Museum gestellt oder gehängt. Koons glitzert, macht an oder stößt ab – egal sein kann er einem irgendwie nicht. So einen übergroßen, glänzenden Seemann Popeye muss man sich nicht für’s heimische Wohnzimmer wünschen. Koons Kunst ein entspannt physisches Erlebnis im Gegensatz zu abstrakter Konzeptkunst. Kann man genießen.

Jeff Koons The Sculptor Ausstellungsansicht © Liebieghaus Skulpturensammlung Frankfurt Foto: Norbert Miguletz

Und wer mit kitschigen Zitaten an die Popkultur nichts anzufangen weiß, muss jedenfalls anerkennen, dass es ein hohes Maß an Perfektion bedarf aus Zentner schwerem Stahl täuschend echte „Badetiere“ zu formen. Und er muss anerkennen, dass der intime Rahmen des Liebighauses eine spannende Kulisse für den Dialog zwischen antiken, mittelalterlichen oder barocken Exponaten und „Ikonen des Edelkitschs und der puren Oberflächlichkeit“ (Danke, M. Hierholzer, FAZ) darstellt.

„Kunste zur Text“ in der Schirn Kunsthalle

Es kann nicht immer die Sonne scheinen. Michael Riedel heißt der Künstler, dessen Retrospektive in der Schirn zu sehen ist. Viel weiß, leer, bisschen schwarz und ein Applecomputer. Vorallem eine Menge Text. Damit erfüllen sich jedenfalls vom Ausstellungstitel geweckte Erwartungen. Das geschriebene Wort ist Ausgangspunkt für Riedles Kunst.

Text wird zusammen gestrichen. Einzelne Wörter, die als Worte einmal Sinn stifteten werden auseinander gerissen, zum Beispiel alphabetisch geordnet, und dann auf Leinwand & Co. neu sortiert. Das ist manchmal witzig, stets ästhetisch und toll anzuschauen. Reproduktion heißt die Riedelsche Guillotine, die über all den verschriftlichten Geistesblitzen hängt, wenn die sich nicht bei drei auf irgendwelche Bäume verkrümelt haben.

Michael Riedel Kunste zur Text Ausstellungsansicht © Schirn Kunsthalle Frankfurt Foto: Norbert Miguletz

Wiederholung kann man das nennen und vom Stöckchen geht es zum Steinchen und schließlich zum Künstler gefangen im Kunstapparat. Oder man fragt sich, ob ein Text ins Unleserliche vom Inhalt befreit, vielleicht seinen Wert verliert. Riedel hat für seine Ausstellung auch die Wände der vorangegangenen Munch Ausstellung verwendet. Überklebt. Sieht man auch noch. Ganz schön selbstbewusst so eine Reproduktion.

“Malerei in Fotografie. Strategien der Aneignung” im Städel Museum

Fotografie bezieht sich auf Fotografie und Malerei bezieht sich auf Malerei. Das ist Quatsch und das zweifelt auch schon lange keiner mehr an. Was der Fotoapparat den klassischen Kunstformen angetan hat, ist schon vieler Orts diskutiert worden. Im Städel kann man jetzt bestens sehen, dass die Malerei auch schon öfters im Foto-Metier gewütet hat. Für diesen Aneignungsprozess gibt es ganz verschiedene Ansätze. Malerei kann wie bei Louise Lawler zum Gegenstand von Fotografie werden. Andere Foto-Künstler betätigen sich malerisch an ihren Werken. Oder ein Foto wird ein Zitat an die Malerei.

Jeff Wall hat Manets Bar in den Folies Bergère nachgestellt. Doch sein Bild nach kunsthistorischem Vorbild ist Fiktion. Der Betrachter steht der “Barfrau” gegenüber, doch er sieht, was die Kamera im Hintergrund des Bildes ihm gewährt: ein Spiegelbild, doch nicht das eigene. Kein Mensch hat jemals wirklich gesehen, was diese Fotografie abbildet. Rechts im Bild drückt Wall den Auslöser der mittig platzierten Kamera. Ein fotografischer Blick auf die Welt ist eröffnet.

Jeff Wall (*1946) Picture for Women, 1979 Großbilddia in Leuchtkasten, 142,5 x 204,5 cm Courtesy of the artist © Courtesy of the artist

Das ist nur eine der vielen Schnitzereien die Hiroshi Sugimoto, John Baldessari, Otto Steinert, Wolfgang Tillmanns, Thomas Ruff und viele Weitere sich ausgedacht haben. Das Städel hat sie auf großartige Art und Weise zusammen gebracht.

Florian Baudrexel, Kneeling Window, 2012 Installationsansicht / installation view, Kunstverein Hamburg 2012 Foto / photo: Fred Dott / Kunstverein Courtesy Linn Lühn, Düsseldorf VG Bild-Kunst, Bonn 2012

Im Gegensatz zu dieser äußeren Wahrnehmung erzeugt Baudrexel  durch seine Installation einen davon unabhängigen Innenraum, bei dem ein ganz anderes Gefühl entsteht, wenn man sich durch den Säuleneingang ins Innere begibt. Die erste wahrnehmbare Veränderung ist akustischer Natur. Durch die bis auf den schmalen Eingang geschlossene Installation verblasst der Lärmpegel der städtischen Infrastruktur und der Hall der Schritte ist mit einem Mal gedämpft. Durch die vorwiegend verwendeten Baumaterialien Pappe und Styropor stellt sich gleichzeitig eine veränderte Geruchswahrnehmung ein, die auf die Raumwahrnehmung erheblichen Einfluss hat. Beide Komponenten tragen maßgeblich zum Gefühl des Eintauchens in eine eigenständige Welt bei. In optischer Hinsicht fällt auf, dass wenn der Blick vom Eingang in den hinteren Raum der im Grundriss dreieckigen Konstruktion schweifet, die Farbvielfalt graduell zunimmt. Sind die Baumaterialien anfangs noch naturbelassen, sind sie anschließend weiß gefärbt und verwandeln  sich an der Stirnseite der Installation in zurückhaltende Farbflächen. Durch die unterschiedliche Beleuchtung durch Raumlicht und Neonröhre entsteht eine Abstufung von Kälte zu Wärme.

Florian Baudrexel, Kneeling Window, 2012 Installationsansicht / installation view, Kunstverein Hamburg 2012 Foto / photo: Fred Dott / Kunstverein Courtesy Linn Lühn, Düsseldorf VG Bild-Kunst, Bonn 2012

Die von den Wänden herausragenden Winkel und überlappenden Elemente erzeugen Nischen und Winkel, die bei einer Begehung zu eigenen abgrenzbaren Räumen werden. Die überlappenden Wandelemente bilden teilweise schwer zugängliche Nischen, in denen man Zuflucht und Geborgenheit finden kann. Die verspielte Konstruktion zeigt mit seinen Flächen, Ecken, Kanten und Spitzen verschiedene geometrische Formen, die auch durch ihre Höhe mitunter an höhlenartige Gesteinsformationen erinnern.

Florian Baudrexel, Kneeling Window, 2012 Installationsansicht / installation view, Kunstverein Hamburg 2012 Foto / photo: Fred Dott / Kunstverein Courtesy Linn Lühn, Düsseldorf VG Bild-Kunst, Bonn 2012

Die Ausstellung ist noch bis zum 2. September im Kunstverein Hamburg am Klosterwall 23 zu sehen.